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#KünstlerZusammenSein #kunsttalk artistic Research ästhetische Kommunikation «#DieKunst» bild im bild bild im bild Bildträger doppeltes Bild oder Bild im Bild #BIB oder #PIP oder Mise en abyme Experimental System Fotografisches gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen genuin postmodernistische praxis im Fotografischen integrative Forschung künstlerisch experimentieren künstlerisch forschen künstlerische Forschung Künstlersein künstlerzusammensein kunstbasiert Forschen kunstbasierte Forschung kunsttalk 3.1 Medienmündigkeit Metabilder Original transdisziplinär visuelle Kommunikation

#kunsttalk kontexte – kachelmosaike

kollaborativer Charakter (N:N) – mit besonderem Augenmerk auf die komplexen Situationen der Kachelmosaike – welche sich am Bildschirm – audiovisuell mit – in – durch Bildakte – Videoansichten im Einzelnen – mehrerer bis zu vielen – herstellen werden.

Mosaike – bekannte und beliebte Gattung der bildenden Künste, bei der durch Zusammenfügen von verschiedenartigen oder verschiedenen Teilen: Muster – „Gestalten, Figuren, Skulpturen, Plastiken“ – Bilder entstehen und andere Experimentalformen möglich werden:

Bedeutungen: Bilder an der Wand

am Boden oder als Fussboden- oder Tischbelag oder an der Decke, bestehend aus kleinen (bunten) Steinchen – Blättern – Zetteln

Oder im übertragenden Sinne: etwas, das aus vielen kleinen Bruchstücken – Fragmenten – zusammengesetzt den Musen geweiht; damit künstlerisch wurde und bis heute noch wird.

Mosaik (deutsch) – Substantiv (n,f) – das weibliche Genus wird heutzutage nur noch selten verwendet. Bedeutungen, Herkunft, Ober- und Unterbegriffe sowie Beispiele.

Mosaikartig

Mosaik-Zyklus-Konzept

Mosaiksystem

Mosaikstruktur

Mosaikschwanzratte

Mosaikkünstler

Mosaikfussboden

Mosaikform

Mosaikfadenfisch

Mosaikbild

Im Mittelalter waren islamische Architekten der westlichen Welt mehr als 500 Jahre voraus: Die Ornamente einiger orientalischer Bauten weisen eine so genannte quasi-kristalline Geometrie auf, die westlichen Wissenschaftlern erst seit rund dreissig Jahren bekannt ist. Bei dieser Geometrie wiederholen sich zwar einzelne Elemente, doch nie das Muster als Ganzes. Peter Lu von der Harvard Universität und Steinhard von der Princeton Universität entdeckten die quasi-kristallinen Ornamente in der iranischen Stadt Isfahan an religiösen Gebäuden aus dem 15. Jahrhundert. Sie basieren auf Hunderten von Zehnecken und sind so aufwändig und genau konstruiert, wie es mit Messlatte und Zirkel kaum zu erreichen sei. Diese komplexen, im Persischen „girih“ genannten zehnzähligen Mosaike wurden tatsächlich mit einem Bausatz von nur fünf verschiedenen Kacheln erstellt. Diese mit Linien verzierten fünf Kacheln haben die Form eines Zehnecks:

eines Fünfecks, eines Sechsecks, eines Kristalls, einen Rhombus und einer Figur, die an eine Fliege zum Umbinden erinnert. Mit diesen Kacheln konnten die islamischen Handwerker eine Vielzahl an Mustern erzeugen. Davon zeugen Gebäude im islamischen Kulturraum zwischen der Türkei und Afghanistan.

Das übergeordnete Muster wurde aus mehreren hunderten kleineren Kacheln mit dem selben Muster erstellt. Dabei entstand das Muster, das heute quasikristallin genannt wird. In der westlichen Welt wurden quasikristalline Mosaike erst später beschrieben. Roger Penrose entdeckte 1974 quasikristalline Muster, die sogenannte Penrose

Geheimnis der Kachelmosaike

zwischenzeitliche Versuchsanordnung
Selektion der Karamellstückchen auf Tageszeitungspapier vor der Flutung
Selektion der Karamellstückchen auf Tageszeitungspapier vor der Flutung
Lagerung und Versuchsanordnung in Aktion multimedial als Grafik im Bild fotografisch
mit Bild im Bild (BiB – PiP) per Hand erfasst
Bild im Bild (BiB – PiP) per Hand in Armlänge mit Geräten erfasst
Bild im Bild (BiB – PiP) im Kameraobjektiv in die Hände genommen kontexte #kunsttalk 3.1

https://kunstderkunsttherapie.com/2020/07/28/kunsttalk-3-1-am-08-09-2020/

#WAGNISMUSTER

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#KünstlerZusammenSein #kunsttalk artistic Research «#DieKunst» öffentlich schreiben öffentlich sprechen bild im bild Bildträger Echtzeit Existenzfrage Experiment gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen genuin postmodernistische praxis im Fotografischen künstlerisch experimentieren künstlerisch forschen künstlerische Forschung künstlerzusammensein kunstbasiert Forschen kunstbasierte Forschung Kunstforschung kunsttalk 3.1 Medienmündigkeit Metabilder Praxis des Schreibens visuelle Kunst

#kunsttalk 3.2 am 22.09.2020

ab 19:00 h

«ZOOM» MEETING ID 874-3179-0133

MEETINGPASSWORT: 060049

ACHTUNG: «LIVE-STREAMING» ca. 90 Minuten via YouTube

abonnieren nicht vergessen

3. Staffel

08.09.2020

zweiwöchentlich Dienstagabend ab 19:00 Uhr am

06.10.2020

20.10.2020

03.11.2020

17.11.2020

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#kunsttalk #KUNSTTALK 2 artistic Research «#DieKunst» öffentlich schreiben öffentlich sprechen bild im bild Bildträger Echtzeit Existenzfrage Experiment gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen genuin postmodernistische praxis im Fotografischen künstlerisch experimentieren künstlerisch forschen künstlerische Forschung KünstlerSein kunstbasiert Forschen kunstbasierte Forschung Kunstforschung Medienmündigkeit Metabilder Praxis des Schreibens visuelle Kunst

#kunsttalk 2.6 am 14.07.2020

ab 19:00 h

«ZOOM» MEETING ID 874-3179-0133

MEETINGPASSWORT: 060049

ACHTUNG: «LIVE-STREAMING» ca. 90 Minuten

Fotografien dürfen anstrengen

fotosinn.de zu schwarz-weiss Fotografien – Portraits im Fotografischen

Critical Zones

https://www.amadelio-films.com

werden wir in diesem letzten #kunsttalk 2.6 der 2. Stafel – vor der Sommerpause – sprechen



Häuschen & Schrein zum Ausdrucken und Selber bauen

Carmelstückchen verpackt

https://www.academia.edu/3489139/Fluxus._Kunst_gleich_Leben_Mythen_um_Autorschaft_Produktion_Geschlecht_und_Gemeinschaft?email_work_card=thumbnail

https://www.facebook.com/groups/791099654629273/permalink/816159608789944/

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#kunsttalk #KUNSTTALK 2 artistic Research ästhetische Kommunikation öffentlich schreiben öffentlich sprechen

künstler_in*nen-typen

Walter Benjamin schrieb über «Sergei Tretjakow» den einflussreichen Artikel „Der Autor als Produzent“. «Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit» verfasste Benjamin im Pariser Exil und es wurde 1936 veröffentlicht. Doch: seitdem ist einiges geschehen.

Was heisst bei Brecht: HALTUNG. Sie ist neu, und das Neuste an ihr, dass sie erlernbar ist.

«Wohnraum ist immer auch Schreib- und Denkraum, das Wohngebaren die Haltung des Künstlers zu seinem Material. Das Schema ist in zwei Felder unterteilt, in denen sich jeweils zwei Arten des Wohnens gegenüberstehen usw.»

https://www.adk.de/benjamin-brecht/

Brecht’s Wohnung in Herrliberg hatte Max Frisch etwas «anregend Vorläufiges» attestiert. Was Frisch als unheimisch charakterisierte, stellte für Brecht das Umfeld dar, welches schöpferisches Arbeiten nicht nur ermöglichte, sondern gleichsam anregte. Benjamin besuchte Brecht in Herrliberg und sie spielten Schach. Sie dachten und redeten sowie argumentierten und schrieben in Extremen.

Neben dem L’art-pour-l’art Künstlertypus benennt Pierre Bourdieu zwei weitere Künstlertypen im Ausgang des 19. Jahrhunderts. Es sind diese: der kommerzielle Künstler und der sozial engagierte Künstler. Genau genommen handelt es sich um Pole, in die die künstlerische Produktion eingespannt ist und in die sie bis heute eingespannt zu sein scheint sowie immer wieder wird, oder?!

Dies «oder» mögen viele kaum am Ende der Frage!

Greta Garbo with the lion mascot MGM studio in 1925

Um den brüllenden MGM-Löwen ist das goldene Filmband gefasst mit der lateinischen Aufschrift: ars gratia artis. Die Redewendung ist in den Vorspannen des Filmstudios «Metro-Goldwyn-Mayer» zu sehen, die 1924 gegründet wurden.

Ausgehend von tradierten KünstlerTypen, werden aktuelle Fragen um
Status und Eigenwahrnehmung der Künstler_*in-nen heute immer noch und immer wieder diskutiert.

#kunsttalk

Mit welchen
Rollenbildern und Erwartungen sehen sich Künstler*in_nen konfrontiert,
wie weit gestalten sie dabei Ihr Image
selbst?

Die aufkommende Kreativwirtschaft fordert das traditionelle
Verständnis von Funktion und Status
der Künstlerfgur heraus.

Wie gehen die Betroffenen damit heute um?

Welche Chancen und Risiken sind mit der Ökonomisierung künstlerischer Tätigkeiten verbunden?

Poet und Philosoph oder Unternehmer und Manager – upp’s jede-r im #kunsttalk sitzt – liegt und zeigt – sich im Trend: the new artist

http://thenewartist.net/resultate/?fbclid=IwAR2iHR9LTLZZiFZytnndSvxJp2TrkrChP_7KeP6xWIvsxM8XE_w-JsY-FdE

wird jede-r nur noch poetisch bis philosophisch, unternehmerisch bis managen als Künstler*_in unterwegs sein? // bin gespannt auf den nächsten #kunsttalk am Dienstagabend https://kunstderkunsttherapie.com/2020/06/18/kunsttalk-2-5-am-30-06-2020/ – werde bis dahin die Briefe aus dem Päckchen weiterreichen

Sofort könnte jede-r Vorschläge zur Verbesserung dieser Fotografie offerieren: wie die Teile attraktiver – imposanter – wirkungs- bis effektvoller ins Bild zu setzen wären. Um das Häuschen und den Schrein für die Caramelstückchenlagerung zu bauen – kleben – schneiden – basteln – richten sowie zusammen zu setzen:

https://drive.google.com/file/d/1GWeDjXO6_oxEz4OANpwJk3OE5Zpc70R9/view?fbclid=IwAR3TMQTQV9ja0xSMHfLX4DK644NrVJ694GhK3zc6i7yPhu7_zxY6umB47X8

https://kunstderkunsttherapie.com/2020/06/18/kunsttalk-2-5-am-30-06-2020/

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#kunsttalk #KUNSTTALK 2 artistic Research «#DieKunst» öffentlich schreiben öffentlich sprechen bild im bild Bildträger Echtzeit Existenzfrage Experiment gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen genuin postmodernistische praxis im Fotografischen künstlerisch experimentieren künstlerisch forschen künstlerische Forschung KünstlerSein kunstbasiert Forschen kunstbasierte Forschung Kunstforschung Medienmündigkeit Metabilder Praxis des Schreibens visuelle Kunst

#kunsttalk 2.5 am 30.06.2020

ab 19:00 h

«ZOOM» MEETING ID 874-3179-0133

MEETINGPASSWORT: 060049

ACHTUNG: «LIVE-STREAMING» ca. 90 Minuten

Critical Zones

Päckchen M Welt bis 2 kg


Häuschen & Schrein zum Ausdrucken und Selber bauen

https://www.gewuerzmuehle-brecht.de/produkt/bourbon-vanillezucker/

https://www.spektrum.de/lexikon/physik/fraktale/5252

http://www.food-info.net/uk/colour/caramel.htm

https://de.wikipedia.org/wiki/Detail

Irmgard Gottschlich Den Prozess kann man nur ahnen, deine Begeisterung kommt rüber, zumal das Foto hier einfach toll aussieht, ich kann mich gar nicht satt sehen. Verrückt, Andreas, ich hätte gern ein solches Kleid- diese morbide Backpapier, die klebrigen Braun- Töne, das eingestreute, das aufgelaufene- ich träume von rinem Kleid aus Caramelstücken💃💃💃

immer vorwärts, hin zur antiken Definition – als Entsprechung von Wort und Tat!

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#KUNSTTALK 2 artistic Research Ausstellung bild im bild Bildträger der anfang im Fotografischen künstlerisch forschen LecturePerformance Metabilder

das bild wird hoch gehalten

Der blinde Fleck bezeichnet den Moment, der sich vor oder hinter der Leinwand (aus 100% Leinen – grob bis fein gewebt – un-grundiert) für Bildträger (beim Malen, Betrachten, Verstehen und Denken) herstellt.

Die wissenschafts-philosophische Reflexion der Kunst wirkt auf den ersten Blick wie ein sehr ungewöhnliches und obendrein aussichtsloses Unterfangen, gilt doch die Kunst zumeist als etwas, was überhaupt nicht in den Bereich der wissenschaftlichen Disziplinen fällt und mit diesen auch nicht konkurriert oder konkurrieren will. Von der künstlerischen Praxis wird angenommen, dass sie, obgleich ihr Bildungswert zugesprochen wird, schlicht anderen Zielen und Zwecken dient als wissenschaftlicher Forschungen.

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Allgemein artistic Research bild im bild der anfang Fotografisches im Fotografischen Versionsgeschichte visuelle Kunst

lang-weilig bis andauernd

Frage: Weshalb wurde der Äbtissin das Münzrecht von Zürich abgenommen?
Die Kirche Fraumünster mit Frauenkloster wurde 853 von König Ludwig dem Deutschen gestiftet. Es wurde von Frauen des europäischen Hochadels bewohnt. Das Kloster genoss die Gunst von Königen und die Äbtissin hatte das Münzrecht von Zürich bis ins 13. Jahrhundert. Die Frage: Weshalb wurde der Äbtissin das Münzrecht von Zürich abgenommen?
Bilder beschwören – Bilderverschwörung – Verschwörungsbilder
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#kunsttalk #KUNSTTALK 2 artistic Research öffentlich sprechen bild im bild der anfang gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen genuin postmodernistische praxis Praxis des Schreibens Trainieren Versionsgeschichte visuelle Kunst

erwartungen

lll zu den sogenannten höheren Gehirnfunktionen (Neocortex) gehörend, stellen Erwartungen die Zone bis Grauzone, den Zwischenbereich und eventuell ein Medium dar, um die Vorstellungskraft mit Kalkül zu verbinden. Und Experten meinen heute, dass Künstler*innen den Begriff Medium besser nicht verwenden sollten. In jedem Fall wird es, wie der heikle Drahtseilakt in schwindelerregender Höhe. Sobald du dich zu weit zur einen Seite lehnst, füllt sich d-ein Kopf sofort mit nicht mehr realisierbaren Phantasien oder Illusionen sowie Fantastik. Neigst du dich zu sehr zur anderen Seite, verbringst du dein Leben damit To-do-Listen anzufertigen.

Mit dem Minimum an Realitätssinn und dem Maximum an Optimismus werden dir nebulöse Erwartungen ins Ohr geflüstert, dass d-ein Werk der »Riesenerfolg« wird und dass es leicht werden und sich von selbst machen wird, sobald du investierst, am Besten Geld – viel Geld. Und in der Tat : hier und da öffnet sich die Tür … das SchauFenster wie von Geisterhand. Da der Himmel und d-eine Arbeit schafft es tatsächlich von selbst. Es geht dir leicht von der Hand, denn nicht das optische Instrument führt den Pinsel, die Nadel und Zeichenstift, sondern immer die Hand des KunstSchaffenden. Doch unrealistische Erwartungen stellen sich schnell ein. Bedürfnisse und Gefühle, aus der Hoffnung heraus oder aufgrund von Erfahrungen und Erinnerungen an wunderbare und alte Zeiten. Bedauerlicherweise werden – auf Illusionen aufgebaute Erwartungen – fast immer zur Desillusion und Enttäuschung. Aus diesem Grund häkeln und stricken viele lieber, nähen nach Schnittmuster, kochen nach Rezept, Putzen, Trainieren und Arbeiten nach Wochenplan.

Aus dem Werk – selbst – sich ergebende Erwartungen sind hingegen das nützlichste Werkzeug des Künstlers. Was du über d-ein nächstes Werk wissen musst, ist in d-einem letzten enthalten. Der Ort, an dem du über d-einen Stoff etwas erfährst, liegt in der nächsten Verwendung des Stoffes. Der Ort, um über d-eine Ausführung etwas zu erfahren, liegt in d-einer nächsten Ausführung. Anders gesagt: D-ein Werk ist d-ein Führer und Mentor – das vollständige, umfassende, unbegrenzte Nachschlagewerk für d-eine Arbeit. (Ein solches Buch gibt es nicht noch einmal und es gehört dir alleine). Es funktioniert in dieser Weise für k-einen anderen.

Fingerabdrücke, sonstige Ausdünstungen und die DNA befinden sich überall; und nur du allein weisst, wie sie dahin gekommen sind. D-ein Werk sagt dir etwas über d-eine Arbeitsmethoden, d-eine Disziplin, d-eine Stärken und Schwächen, d-eine dir eigenen Gesten, d-eine Bereitschaft, Dinge aufzunehmen und zu durchdringen.

D-eine nächsten Lektionen liegen in d-einer Arbeit direkt vor dir: Um zu sehen, musst du dir nur d-ein Werk genau anschauen – ohne Urteil, ohne Bedürfnisse oder Furcht, ohne Wünsche oder Hoffnungen. Ohne emotionale Erwartungen. Frage d-ein Werk, was es braucht, nicht was du brauchst. Schiebe dann d-eine Ängste beiseite und höre zu oder schau genau hin: es geht um die Geschichte des Bildermachens

nichtverstehenserwartungen – schaue zu und beobachte – beim visuellen kunst schaffen, bildermachen und zusammensetzen

Haus&Schrein die Caramel-Reliquie:

Andreas Peschka 2020

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#kunsttalk #KUNSTTALK 2 artistic Research öffentlich schreiben öffentlich sprechen bild im bild der anfang Fotografisches genuin postmodernistische praxis im Fotografischen künstlerisch forschen künstlerische Forschung kunstbasierte Forschung Kunstforschung kunsttalk kunsttalks Medienmündigkeit Metabilder Original Praxis des Schreibens Seite der Künstler*in transdisziplinär Versionsgeschichte visuelle Kunst

#kunsttalk

Caramel waschen, als wüsche ich Gold: Bernsteingold in Analogie: Birgits Zuckerarchitektur wird reduziert.

https://drive.google.com/file/d/1GWeDjXO6_oxEz4OANpwJk3OE5Zpc70R9/view?fbclid=IwAR3TMQTQV9ja0xSMHfLX4DK644NrVJ694GhK3zc6i7yPhu7_zxY6umB47X8

pdf in farbe ausgedruckt, konturen wirken intensiver sichtbar als im schwarz – weiss modus; verschiedene DIN A4 papierqualitäten ausgewählt für’s weitere bearbeiten bis Dienstag: 02.06.2020 ff

@Peter Mönnike’s Resultat im Fotografischen:
Bastelei zur Telefonkritzelei, zoom Inframince: Francesca in den Wänden – gespenstisch – medial Laminainterferenzen bis zum pdf – zum Ausdrucken und Selber bauen – do it yourself /// an und mit und durch die – Architektur: Gehäuse, Hausschachtel und Aufbewahrungsort basteln bis fotografisch – für die Zucker-Karamel-Kandisfragmente, die @Andreas Peschka & @Birigt Matter verschenken, verbreiten und versenden – first come – first serve – und so weiter
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Allgemein artistic Research der anfang künstlerische Forschung schreiben Versionsgeschichte

asemic

Schrift und Zeichen sind das Mittel der visuellen Kommunikation und dienen zur Aufzeichnung der Sprache. Zivilisationen auf der ganzen Welt haben verschiedene Schriftzeichen und Buchstaben entwickelt, die ihre Kultur und Geschichte darstellen. “Asemic Writing” bezeichnet Schreiben ohne wörtliche Bedeutung, Buchstaben, Zeichen und Linien ohne Sinn.

Mit Asemic Languages wurden durch künstliche Intelligenz Buchstaben geschaffen, die keine Bedeutung haben; nur Formen und Linien, die wie Schriftzeichen aussehen. Das Projekt fokussiert sich allein auf die Form der Buchstaben, nicht auf deren Bedeutung. Für die Entwicklung dieser einzigartigen Schrift wurden handschriftlich verfasste Aussagen von zehn internationalen Künstler*innen zusammengetragen. Durch das Erlernen unterschiedlicher Handschriften in verschiedenen Sprachen sammelte die künstliche Intelligenz Informationen über die Formen jedes Zeichensystems und die Eigenheiten der Verfasser*innen. Die Textzeilen sind dabei trügerisch und sehen aus, als ob sie wirklich eine und die wichtige Bedeutung hätten.

Asemia

Asemic_writing

Autograph

Automatic_writing

Constructed_script

Creative_writing

Doodle

Free_writing

Handwriting

History_of_writing

List_of_writing_systems

Lorem_ipsum

Postliterate_society

Proto-writing

Seme_(semantics)

Sign

#SmartSetting

Surrealist_automatism

Undeciphered_writing_systems

Visual_poetry

Writing

Diese Methode zeigt möglicherweise Effekte, die man kaum sofort erwartet: Sie verlangsamt nämlich, nach einigen Zeilen Schreibens, das Denken. Und wenn Gedanken nicht mehr in Fluchtgeschwindigkeit davonhuschen, hat jede-r vermutlich mehr davon. Als ich mir die Frage gestellt habe: „Wie könnte ich m-einen Blog in Zukunft füllen“ hatte ich allenfalls die paar vagen Vorstellungen wie „Rezensionen?“ oder „Werkstattberichte?“ oder die Bilder anderer Künstler?“ zu zeigen.

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#kunsttalk001 Allgemein artistic Research Ausstellung öffentlich schreiben öffentlich sprechen bild im bild der anfang Künstler*in künstlerisch forschen Kunstforschung kunstprozesse kunsttalk kunsttalks Medienmündigkeit schreiben transdisziplinär visuelle Kunst

vor-bereiten #kunsttalks

blau = definitiv

kollaborativ wird das format #kunsttalk via skype.com/de & ZOOM vorbereitet

  • es wird immer aufgezeichnet! (auch wenn wir technisches und organisatorisches auf der „Hinterbühne“ – backstage – backoffice – als Admins bis Host besprechen)
  • es wird protokolliert!
  • es könnte öffentlich werden! (durch Live-Streamen oder die Extraentscheidung)
  • jede-r kann Mitmachen beim #kunsttalk

wechseln zu Enterprise-Videokonferenzen mit Instant-Messaging und Content-Sharing – Meeting – Optionen

https://www.youtube.com/channel/UCrrySgaQ4OSqabo5cRDF8mQ?view_as

Accumulation: Searching for Destination, 2014 – 2016

Chiharu Shiota

Informationsgrundlagen für das Verständnis von Struktur und Entwicklung (sowie System-en) des Kunstfeldes (#kunsttalk) werden für das Verhalten, Teilnehmen und Teilgeben der Akteure interessant. Es regt zur Selbstreflexion an und bewahrt davor, in einem luftleeren Raum zu agieren bis zu experimentieren. Unmögliches zu verlangen, zu erwarten und zu wünschen. Wobei zunehmend Phantasie – Illusion – Zauber – Poesie – Geheimnis – Faszination – Magie – Ästhetik – Sinnlichkeit – Selbermachen – Assoziationen – Unverfügbares usw. der Gegenwartskunst im #kunsttalk interessieren. Zur Vorbereitung der Videokommunikation im „neuen“ Format ZOOM wird hier kurz pausiert. Dieser Wechsel wird das „Kinderspiel“ für die Anwender werden. Wir freuen uns auf den ersten Dienstagabend im Mai, den 05.05. 2020 um 19:00 Uhr.

Weitere Fragen werden auf Globalisierung und deren Rückfluss auf die Kunst zielen. Wie weit reicht Inklusion, und ja, wo ist diese mehr Wunsch als Realität?

Interessant ist, zu beobachten, wie sich Präferenzen gegenüber künstlerischen Medien (wie Geräten, Hilfsmitteln, Instrumenten, Enterprise-Videokonferenzen mit Instant-Messaging und Content-Sharing – Meeting per ZOOM bei (bildenden) Künstler*innen etc.) ändern.

Malerei und Skulptur sowie inzwischen auch Installationskunst und Fotografie dominieren das Interesse des Publikums selbst angesichts der von manchen ausgerufenen «Postmedia-Ära». Video und digitale Produktionen hingegen bilden das Schlusslicht der Präferenzliste. Ungeachtet des gesellschaftlichen Stellenwerts, welchen das Internet und die (virtuelle) Welt und Welten und (social media) Netzwerkkulturen mittlerweile gewonnen haben.

«Open Access» mit verschiedensten Zugängen, Möglichkeiten und Funktionen der neueren und älteren Geräten (Device), d.h. Mobiltelefone – Computer – Tablet etc. per »ZOOM« für den #kunsttalk schaffen und einrichten.

Ziel – Zweck – Nutzen: Teilnahme ist parallel – synchron – mit ZOOM möglich: mit oder ohne Kamera (Video) – mit oder ohne Hintergrundbild – stumm oder sprechend (Mikrofon) – schreibend oder teilend – beobachtend oder zuhörend – parallel sichtbar chatten – streamen – aufzeichnen usw.

https://docs.google.com/document/d/1FBRi95qF0KL9QBqcDdnwCPP0Xzal4PeKEbsOEwJ7L5Y/edit?usp=sharing

https://docs.google.com/document/d/1ROSiy7woW_BAO9XAGpeLHKUb7M3502QmRnxDaFtU5_k/edit#heading=h.38pxbihw2cgz

kinderleicht!

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#kunsttalk001 Allgemein artistic Research Ausstellung «#DieKunst» öffentlich schreiben öffentlich sprechen bild im bild der anfang Echtzeit gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen künstlerisch forschen Kunstforschung kunstprozesse KunstSchaffen Medienmündigkeit

vorschauen auf #kunsttalks

Heiner Altmeppen
„GRÜNES UFER, GRÜNER SEE“
ACryl auf Karton auf Holz
26 x 23 cm










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#kunsttalk artistic Research Ausstellung öffentlich schreiben bild im bild Echtzeit Fotografisches gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen genuin postmodernistische praxis herstellen im Fotografischen integrative Forschung Künstlerbuchseite künstlerisch forschen künstlerische Forschung Kunst Kunstforschung kunstprozesse kunsttalk LecturePerformance Medienmündigkeit Metabilder Praxis des Schreibens Probe schreiben Seite der Künstler*in transdisziplinär Versionsgeschichte visuelle Kunst

mass-stabs-getreues

Moderne, postmoderne und post-postmoderne Autonomie visueller Kunst wird heute sofort erkannt. Über die klassische, moderne bis postmoderne oder auch die typischen Versuche der «Disziplinierung» und «Spezialisierung» visueller Ästhetik wird heute kaum gesprochen, die in erster Linie künstlerisch kommunizieren. Aufklärungs- und Befreiungsversuche visuell-künstlerischer Praxis, Praktiken und Performance, die immer ästhetisch – ohne Worte – «kommunizieren». Keiner weiteren Erklärung, Vermittlung und Analyse, noch Erzählung oder Erklärung bedürfen. Bilder, Videos und Aufzeichnungen im Fotografischen, die selbst-er-klärend erzeugt und freigegeben werden.

Klar ist, ich zeichne auf. Kopiere, füge ein, verändere und schreibe. Lösche, transformiere, gestalte, verwende und verlinke. So wie jede-r heute versucht ist, es zu machen? Ich meine, die Bilder im Fotografischen aus dem Internet zu verwenden. Mit und ohne #hashtag, Text und Sprache sowie zusätzlichen Audiospur-en zu posten. Diese hoch- und herunter sich auf den Bildschirm ein-zu-laden. «Raum- und Bewegungsbilder» bis «Farbklänge» im fotografischen – mit und ohne zusätzliche Effekte und Animation oder Musik – audiovisuell – herzustellen.

Könnte ich das Audiopaper oder Hörspiel mit dem Mikrophone am Computer aufzeichnen? Das animierte Tik Tok Video mit der App. dazu herstellen? Das Manifest dazu auf Papier verfassen? Anstelle mit den Fingern hier auf der Tastatur herumzudrücken, damit die schwarzen Lettern im grauen Absatz erscheinen.

Wahrscheinlich wird es heute sowieso kaum einer mehr lesen, da es zu lang – grau und langweilig – kompliziert und verschachtelt daher kommt. Wer bevorzugt heute noch grau, blau, weiss usw.

MacBook Air schwarze Tastatur – iPhone graue Buchstabenfelder – iMac weisse Tasten

Um sich «sozial» an möglichen «Schnitt- oder Teilmengen» – Gruppen – «Public Domain» und der sogenannten «Gemeinfreiheit» zu beteiligen. Am «Diskurs» oder der «Diskussion» Bildbetrachtung und Bildverstehen teilzunehmen. An den Prozessen künstlerischer und kunstbasierter Forschung, Kunstforschung und Wissenschaft (OpenScience) jederzeit aktiv-er mit-zu-machen. Wozu thematisch tagtäglich Blogs geschrieben und Vlogs zusammen-geschnitten werden? Um Bilder im Fotografischen (Visual Literacy) und Texte (Oral-History) möglicherweise in – mit – durch künstlerische Anwendungsmöglichkeiten (besser) zu verstehen, die ästhetisch sowieso immer kommunizieren? Oder, um Bildakte visuell Kunstschaffender gegenwärtig – in direkter An- und Abwesenheit der Künstler*innen – im Zusammensein zu betrachten und zu besprechen?

Wer beteiligt sich heute aktiv an den Systemen, die «Kulturgut» – «Museum» – «Kunstsoziologie», «Kunstbetrieb» – «Kunstsystem» – «Medienkunst« – «Kommunikation» – «Performance-Art» etc. betreffen?

In wie weit «Schönheit» – «Gesundheit» und «Krankheit» – «Wissen» – offene, freie bis zweckorientierte «Wissenschaft» – «Literatur» – «Kunstgeschichte» – «Gesellschaft» der nächsten Gesellschaft – «Politik» – «Kultur» – «Natur» – «Äther» – «Philosophie» – «Physik» – «Mathematik» – «Musik» – «Informatik» und so weiter hierbei die Rolle spielen, muss mich oder jede-n Einzelnen dies im Detail wirklich interessieren? Mache vorerst so weiter, da es funktioniert.

Entscheide, lösche und wische, verdränge, mische oder wähle heute sowieso wie jede-r selbst – selektiv -aus. (Diese Auflistung folgt keiner Ordnung, keinem Konzept, Programm, Plan oder Code etc. und lässt sich problemlos erweitern, verändern oder löschen sowie anders definieren, sehen und zusammenstellen). Hierfür nutze ich bislang verschiedene Tools, Pools und Geräte und Utensilien. Geht es um den Zugang und Zugänge – den Zugang zu finden – die Zugangsberechtigung zu erhalten usw.?

Auch wenn Präsenz heute oft bedeutet Befasstsein, Tätigsein und Zeugesein für visuelles Kunstschaffen, ohne dabei angeheuert, ausgestellt und angestellt zu sein. Sollte ich es genauer, treffender und präziser formulieren, dass jede-r heute Erfahrenes und Erlebtes fotografisch, filmisch und schriftlich sowie audiovisuell aufzeichnet und speichert sowie verbreitert. Grosses Interesse an Kunst zeigst, sei es in Form von Musik, Malerei und Reisen sowie dem ständig unterwegssein preisgibt. Die Furcht, die von Anfang da war, ist die Annahme, Kunst werde durch Design- und Organisations-Vorgaben so verändert, dass ihr autonomer Status verloren gehe, möchte ich kaum teilen. Künstlerinnen und Künstler verbinden oft ihren autonomen Status mit ästhetischen Theorien und Handlungsfreiheit, die sie kommunikativ begründen. Der Begriff Forschung ist in der deutschsprachigen Diskussion sehr umstritten und nicht selten lautet der Vorschlag, es sei »ästhetisches Denken«. Lautes sprechendes Denken, Erzählen, Erklären und Aufschreiben sowie die performative Imitation mit An- und Abwesendem.

Befinde ich mich auf Forschungsreisen, der Expedition oder Exkursion?

Hauptsächlich Frauen zwischen 60 und 80 Jahren nehmen den Biografiekurs auf, um ihre Autobiografie zu schreiben, wie ich erfahren durfte. Dies bestätigt auch das Datum 08.03.2020 Frauentag. Zumindest Gemeinsamkeiten (vgl. Andrea Züger Leben schreiben. Eine qualitative Studie zu Praktiken des autobiografischen Schreibens, 2019, S.12), die Frauen teilen. Doch, egal welchen Alters, Geschlechts und sonstigem Status, weshalb werden Menschen heute zum «autobiografischen Schreiben» und damit auch «KünstlerSein» aufgefordert?

Jene-n möchte ich auch verstehen, die oder der es boykottiert. Unterlässt und nicht mitmachen will.

Vom «Nullpunkt der Literatur» – Ende der Kunst – aus, lässt sich in Bildern denken. In Bildern Denken, wie illustrierte Seiten im Buch:

Verstehens-Erwartung scheint in allen Ecken zu lauern. Die Lebensgeschichte (nur) eines einzigen Bildes oder Bildakts als visuell-ästhetischen Kunstanspruch zu beschreiben. Bildakt und Rezeptionshabitus werden ästhetisch im Kontext der Epoche übernommen (vgl. Marianne Karabelnik Das Kunstversprechen Lebensgeschichte eines Bildes 2018). Die Musealisierung der Vergangenheit und Erinnerung oder die Verdrängung der Gegenwart spielen möglicherweise die Rolle dabei, sobald ich beginne zu schreiben und aufzuzeichnen? Text und Sprache werden immer irgendwie mit eingeplant, sobald es um visuelle Kunst, ästhetische Theorien und Handlungsfreiheit geht. Die im Widerstand meiner Sprache und Mundart sowie Kunst- und Bildsprache als Performance entstehen. Ästhetisch zu kommunizieren. Visuelle, malerische bis mund- und handwerklich geartete Kunst zu schaffen. Künstlerisch bis literarisch in meiner Sprache, Art und Weise zu forschen, aufzuzeichnen und zu schreiben sowie dokumentieren und auch archivieren.

In den Formen mit freiheitlichen, symbolischen und offenen Ausgängen. Kultur und Kapital, wie heute schnell gesagt wird: Human- und Sozialkapital. „Im Schreiben und Erzählen ordnet sich mein Leben“ meinen Autor*in-nen, die Biografisches und Autobiografisches im Alltag und der Kunst aufzeichnen. Auch die, welche bewusst mit oder unter Pseudonym schreiben und anonym publizieren.

So öffnen sich bereits zahlreiche Fenster, Zugänge und Ansätze, Aufsätze und Artikel, die nur angeklickt, angetippt und leicht berührt werden (müssen)?

Die Nichtverstehens-Erwartung besteht darin, dass zwar vieles sofort gesehen, gehört und verstanden wird und ich nahezu zappelig, sehr unruhig und verärgert werde. Verärgert darüber, dass in der Ausstellung und Herstellung beim Schreiben so gar nichts Neues, Irritierendes, Verstörtes und Fremdes zu sehen sein wird. Auch, da ich einzelne Bildakte im Fotografischen, Grafischen und Malerischen kaum als «Interferenzphänomen» erkennen und besprechen mag. Sie bleiben hier zumindest im beengten Rahmen und in der Form der Erwartung und des Erwartbaren stecken:

Was heute unter die Kategorien der Kunstfotografie, visueller Kunst sowie autobiografischer Literatur, Kunstliteratur sowie Kunstforschung, künstlerischer Forschung, Video- und Medienkunst sowie Dokumentation und Liste verstanden wird.

Zettelchen im Wind

Nur spezielle Kunstausstellungen – visuelle Kunstherstellungen – bekannter Bild*Künstler*innen sowie deren kunstwissenschaftliche Resultate belegen bis heute, dass eben diese Erwartung auch unterlaufen wird und werden kann, ja sogar auch immer wieder unterlaufen werden muss!

Ich will das Gezeigte (nicht) verstehen, welches ästhetisch kommuniziert. Ich will mich daran *abarbeiten*, damit auseinandersetzen und zu verbessern helfen. Hierzu habe ich zwei Sauer-teig-kulturen zum Brotbacken #KeineBrotloseKunst anlegt, die wilde Tomatenpflanze in den Tontopf gesetzt und in den Wald unter alte Laubbäume gestellt. Die #Schafe – einschliesslich mich – an die Holzwiesstrasse und auf den Holzweg getrieben. Die #Schafe in diesem Jahr an die Herde des Wanderschäfers verschenkt, da ich diese nicht verkaufen konnte. Ich will nicht klagen, mich beklagen. Weder den Ärger und die Verärgerung herauslassen – noch freisetzen – wozu auch? Wem würde dies Nützen? Wen interessieren? Was ich wesentlich kritisiere im Anstimmen des Kanons und Chors hier: Kunst verkommt zum Sedativum, zum Erlebnispark, zum Fabrik- und Outlet- und Atelierbesuch: allüberall (auf der Höhe der Zeit) diese Ausrufe: Wie sinnlich, wie taktil, wie haptisch, wie innovativ, wie genial und produktiv! Ohh, wie schööööööön.

Nun, manche sagen *paraphrasierend*: das war schon immer so! Und zwar genauso und nicht anders.

Ja, das war es. Nur seit zehn, zwanzig Jahren und heute wird der Sprung, Re-produktion und Re-load etc. innerhalb der Generierung von symbolischem und sozialem Kapital gemacht, die ihresgleichen suchen:

Biografie. Ein Spiel / Theater und autobiografisches in Szene setzen

Bildwahrnehmung und der Habitus der Rezeption zum Beispiel werden durch die präzise Reportagefotografie (oder Biografie) und Filmsequenzen (die Filme sind unter uns) seit den ca. 1930er vorkonfiguriert. Filme (Filmtheorie), Radio (Radiotheorie) sowie Literatur (Literaturtheorie) und Bild (Bildtheorie-n) sind in diesen Zusammenhängen zu nennen. Durch Museums-, Theater- bis Opernbesuche, Betrachtungen der Gemälde und Kunstwerke im Original, spezielle Kunstausstellungen und Performances und so weiter werden «Investigationen» (Nachforschungen, Untersuchungen sowie experimentelle Forschungen) konfiguriert. Angeregt: künstlerisch, kunstbasiert und technisch und sonst wie zu experimentieren.

Zu versuchen, den Versuchen andere Möglichkeiten zu finden, kann ich kaum und nur mässig widerstehen. Immer (wieder) anzufangen und neu anzufangen ist kaum zu widerstehen. Mögliches will ich ausprobieren – auf die Probe und zur Probe stellen:

Alltagserfahrungen werden häufig an die Nichtverstehens- oder Verstehenserwartung des Bildes im Fotografischen, Filmischen und auch Malerischen angelehnt. Mit visuellem Kunstanspruch re-produziert und für die An- und Abwesenden hergestellt. Wobei Verständnisfragen hier ausdrücklich kein «Tabu» sein werden.

PC 6208 See, Speak, Hear No Evil, Vintage Japanese Photography Published by Catch Publishing at the heart of the image http://www.catch.nl/ angelehnt an das Drei-Affen-Prinzip der Verneinung und negativen Bedeutungswandel in der westlichen Kultur

Kunst wird als etwas Unverstehbares gesetzt.

Verständliche und durchschaubare Arbeiten, Untersuchungen sowie Experimente künstlerischer Forschungen der Künstler*innen verfehlen ihre Absicht, den Zweck und ein spezielles Ziel. Keine «richtigen» oder «wahren» Kunstwerke sowie »künstlerische Arbeit» zu sein, sobald sie durchschaut und durchschaubar werden. Häufig wird Präsenz, Anwesenheit und sichtbare Performance sowie Stellungnahme der Künstler*innen zu visuellen Arbeiten erwartet. Zum Beispiel, um vom Original, echten und wirklichen sowie „wahrhaften“ visuellen Kunsterlebnis -künstlerisch-wissenschaftlicher-Forschungsbemühung – Aktion – Dokumentation usw. zu sprechen.

In diesem Zusammenhang wird auch noch oft von «Authentizität» (wie in der «bildenden Kunst der Moderne») gesprochen oder diese (auch dementsprechend) erwartet.

In solchen Situationen richte ich meine Aufmerksamkeit auf einzelne Bilder, Szenen und Sequenzen. Fokussiere ich auf den Bildakt, nach ästhetischer Erwartung zur Rezeption und auch Nicht-Erwartung! Übriges Beiwerk oder Ornamente und Rahmung blende ich aus. Den Text sowie das Gemurmel und Gerede sowie die Geräusche versuche ich vorerst zu überblenden und zu überhören. Doch – selbst die ausgewählten Bilder – werden oft nur mit bestehenden Ordnungsmustern (historio-grafischen Ordnungsschemata oder axiomatischen Systemen, »Algorithmic« sowie «humanen Assoziationen») erfassbar. Mit Kontexten, Verhältnissen, Landschaften oder Orten, Epochen, Erinnerungen und Erfahrungen sowie Worten, Wissen und Konzepten und Theorien verglichen (oder abgeglichen) und beurteilt.

Der Anstieg an Informationsdichte im visuellen Bereich (Display) des Einzelnen kann Gefühle und Affekte des Unverständnis, der Langeweile und Überforderung oder Blockade verstärken. Denn Bilder binden unsere Aufmerksamkeit und Begehren auch dann, wenn sie nicht, kaum verstanden werden und unbekannt bleiben. Auf zu schreiben und aufzuzeichnen, worüber und wovon gesprochen werden kann, geredet und erzählt wird, kann helfen sich in der Situation zurechtzufinden oder zu orientieren, wie einige heute zu sagen pflegen. Sich einzumischen in den laufenden Diskurs, Dialoge und Diskussionen sind für mich die zärtlichsten Formen der Annäherung an *neue Erkenntnisse; ja auch Erfahrungen und Experimente sowie zu immer auch zu proben. Anschlussfähigkeiten zu künstlerischen und kunstbasierten Forschungsmöglichkeiten der Künstler-in-nen, visueller Kunst und deren Erkenntnismöglichkeiten, die gesucht und gefunden bis aufrecht erhalten werden. Sowie die Leinwand – in aufgespannter Rahmung durch Holzkeile – hoch zu halten und zu tragen. Selbst das Wort ergreifen: frei zu sprechen und zu schreiben sowie damit anzufangen – entweder allein – zu zweit – zu dritt – zu viert oder in der formellen bis informellen Gruppe oder Gesellschaft. Bildlich gestalten, zu fotografieren und selbst aufzuzeichnen jeden Tag. Auch wenn es auf den ersten Blick, wie die «Investigation» und «Intervention», «Beweisführung» und «Rechenschaft» oder «Argumentation» sowie «Begründung» wirken mag.

Giorgio Agamben analysierte den griechischen Begriff «stasis», der sowohl Bürgerkrieg (Weltbürgerkrieg) als auch Unveränderlichkeit bedeutet: etwas, das potenziell sehr dynamisch ist, aber auch das völlige Gegenteil sein könnte. In den 80iger Jahren war die Verwendung dieses Begriffs noch umstritten, da einige versuchten, die (deutsche) Verantwortung für den Zweiten Weltkrieg und deutsche Verbrechen aller Art herunterzuspielen. Viele andere Denker, darunter Hannah Arendt in Über die Revolution (1965), haben diesen Begriff reformuliert. Jean-Luc Nancy, Michael Hard und Antonio Negri neben vielen anderen gebrauchen ihn. Ursprünglich bedeutet stasis: Stillstand, Standpunkt und Stellungnahme. Doch mich interessieren die Fluchtpunkte, um dem Stillstand, den Standpunkt und die blosse Stellungnahme zu verflüssigen …

Restitution und Begründung zu «Kulturbesitz» scheinen die Rolle des «Identitären in Kunst und Kultur» zu spielen. «Feuilleton» oder «Kunstforschung» als Kunstgeschichte-n, Science Fiktion-en oder Roman-e, Spiel- und Kinofilme, auch in Games, im Theater, in Musik etc. scheinen heute genauso – nebeneinander und parallel – als Schaustücke bedeutend zu sein. Eben noch erzählte mir «Andreas Peschka» von der Theateraufführung: «Helges Leben». Im «Narrativ» des einzelnen Menschen wird es (wieder) erkennbar und erinnert. Obgleich es in anderen «Features» und «Formaten», wie zum Beispiel http://www.soundstudieslab.org/what-is-an-audio-paper/, «Podcast», «Games» und wirklich kurze Videos (TikTok) zurzeit laufend parallel oder auch live auf YouTube etc. veröffentlicht und gezeigt wird. Auf die Definition der Sprache oder Worte scheint es dabei kaum und nicht mehr anzukommen, sondern nur um deren Gebrauch und Anwendung? Jede-r weiss heute sofort, wovon gesprochen wird?

Wozu visuell künstlerisches bis kunstbasiertes »Forschendes schreiben« und fortschreiben?

Jede-r performt und kommuniziert heute interaktiv mittels der Technik. Applikationen (Apps), da diese selbsterklärend und animierend sind – mit zahlreichen Effekten (die kaum innovativ oder Innovation sind) – kinderleicht bis sofort – meist kostenlos – zu bedienen und anwendbar werden. Gespielt, kreativ gestaltet und geschnitten bis aufgezeichnet wird – zumeist in Form von der Videoaufzeichnung. Die immer neue kreative Kontrollformen mit freiheitlichen – witzigen Aussehen – bis künstlerisch ästhetischen Inhalten produzieren und liefern, die zur schnellen, friedlichen und interkulturellen Verständigung zum Gemeinwohl beitragen können?

Interferenzphänomene (Stroop Effekte) des Lesens und Verstehens des Visuellen, Sprachlichen und Ästhetischen werden wichtig beim Betrachten, forschenden Schreiben und in den #kunsttalk Aufzeichnungen. Texte bis Texturen oder Kontexte werden häufig ausgeblendet, ausgespart oder ab- und weggeschnitten. An diese Stelle tritt das komische oder dramatische Schauspiel oder Schaustück, die «bösartige» Komödie der „kreativen Unterhaltung“. Die keiner Auseinandersetzungen, wie tiefergehender oder tiefergreifender Analyse und Kommunikation mehr Bedarf, da es ästhetisch: sofort, direkt, sauber, bequem und herrlich angerichtet sowie reflektiert serviert wird. Etwas – gegen das sich die künstlerische Arbeit – kaum mehr zu widersetzen scheint – ausser es wird angefangen: forschend zu schreiben.

Dennoch hält mich die Lektüre James Joyce „Ein Porträt des Künstlers als junger Mann“ (2012) – «A Portrait of the Artist as a Young Man“ (1916/17) – Jean Paul Vorschule der Ästhetik (1980-1990) – Natalie Lettner Maria Lassnig Die Biografie (2017) – «Feministische Avantgarde» sowie die Historie, Geschichten und zurzeit die Niegeschichte von Dietmar Dath oder der unendlichen Geschichte sowie der unendliche Spass von David Foster Wallace von der letzten Print-Tankstelle vor der Datenautobahn, sozusagen – im wahrsten -Sinn der gedruckten Worte noch befangen. Sowie die Dinge und Geschichte-n an sich. Die wilden Jahre des Lesens und Sprechens, die «Ulrich Raulff» als kleines Porträt der «Generation Theorie» verfasste. Welche er kaum freiwillig preisgeben wollte. Wer das Erleben historischer Phasen erleben will, greift leicht zur maritimen Metaphorik »die Welle kennen, auf welcher wir im Ozean treiben, allein wir sind diese Welle selbst.« Doch reicht diese Kenntnis? Sobald als forschende Künstlerin im Internet, mit sozialen Netzen und in WordPress zum Kunstschaffen geschrieben wird.

„Wovon man nicht sprechen oder erzählen kann“: Ästhetik Mystik MedienNaturAtmosphäreAuraÄtherAngstEmotionKitschAlltagskunstStreetartVolkskunst und so weiter?

Visuelle Kunst: Bilder, künstlerischer Ausdruck und Mittel, Bildfahrzeuge oder -vehikel und andere bildtragenden sowie bildgebenden Verfahren, Medien und Fotografien (Visual Literacy). Kaum mehr sind diese als Kunstgattung oder als nur die Kategorie oder nur das Format oder Feature zu verstehen. Ihre komplexen Bedeutungen können sich bis zum gewissen Grad von der Sprache, ihrer Begrifflichkeit und auch den Worten und den semantischen – algorithmischen – logischen Berechnungen der Ökonomie, Organisation und Programmierungssprache-n emanzipieren; Semiotik von den Schulen bis Akademien und Universitäten – den Infrastrukturen und Architekturen ab-lösen. Hin zu «Interferenzphänomene» möglicherweise, die verschieden verstanden und ausgelegt werden können – mit dem Bild und den Videoproduktionen sowie Aufzeichnungen, die veröffentlicht sind und noch werden.

Bilderflut, noch nie gab es eine Zeit, in der so viele Menschen so häufig und in solcher Menge selbst Fotografien, Aufzeichnungen und Videos auf verschiedensten Kanälen herstellen, schneiden, zusammenstellen, verbreiten und kommentieren, wie heute. Die hohe Vertrautheit mit Fotografie, Film und Radio führt kaum zwingend zu differenzierter Wahrnehmung. Bildgestaltung- und Medienkompetenz sowie die Fähigkeiten und Kompetenzen zu ästhetischer Anschlusskommunikation. In den Formen der Audiospuren des Sprechens, Erzählen und Schreiben sowie passenden Bildmaterial dazu visualisieren und illustrieren. Gefühls- und Denkbewegungen, Körper- und Handbewegungen, Gesten, die sofort symbolisch – nonverbal – ästhetisch kommunizieren und interagieren. Beobachten und Zeigen als audiovisuelle Kulturtechniken, die kaum mehr umständlich gelesen und verstanden werden müssen?

Die Verstehens-Erwartung, denn kaum alle visuellen Aus- und Herstellungen haben in erster Linie Kunst- oder Literaturanspruch. Oft werden zum Beispiel Fotografien historisch gesammelt, um Ereignisse, Erfahrungen und Geschichten zu dokumentieren. Jede-r erkennt implizit. Spürt die Absichten und Angelegenheiten der Bilder. Schwingt mit im Kommunikationsmodus der Bilder im Fotografischen. Dabei ist es weniger aktives, bewusstes Durchdringen der Materie als eher die Abwesenheit von Irritation, Unverständnis und Betroffenheit. Nur unter Verzicht auf eine aktive Auseinandersetzung und nur bei ausdrücklicher Nachfrage, die sich schnell verflüchtigt, gehe ich vom Gefühl es Verstanden zu haben aus. Oft verlasse ich die Räume mit dem Gefühl, den eigenen Horizont *leicht* oder *stark* mit Erkenntnissen erweitert zu haben. Oft lande ich jedoch wieder bei dem handfesten oder barfüssigen. Selbstständig umsetzen, schreiben und gestalten sowie verlinken und performen.

Ent-täuschte Verstehens-Erwartungen: heute begegnen die gegenwärtigen bis hypergegenwärtigen Kunst- und Bildproduktionen jedoch nach wie vor dem blanken und auch reinen Unverständnis oder der spezialisierten ästhetischen Kunstkompetenz des Kunstbetriebs. Es wird möglicherweise dasselbe Unverständnis sein? Die sowohl Kunst-Liebhaber*innen als auch Künstler*innen gerne im angemessenen «Feature» der Darstellungsform zu sich nehmen. Welches von der Kunst, visueller Kunst, Kunstforschung und künstlerischer Forschung sowie Gegenwartskunst heute erwartet wird. Erst an diesen feierlichen Inszenierungen des vermeintlich «Zwecklosen im Namen der Kunst» entzündet sich dann der Ärger und das Ärgernis des Unverständigen. Dabei fühlen sie sich ausgeschlossen. Und gleichzeitig wird die Erlebnisbasis unter diesen Bedingungen sehr schmal, eng und unsicher bis unruhig.

Abwesende Verstehens-Erwartung, die kein Verständnis erwartet, sondern nur das Erlebnis oder Spektakel. Hier wird kaum davon ausgegangen, dass sich in einem Bild, Kunstwerk und künstlerischer Arbeit der komplexe Sinngehalt subjektiviert, objektiviert sowie operationalisiert. Welcher mittels intensiver Anschauung oder Interpretation durchaus zu erschliessen wäre. Hierzu zählt beispielsweise, nie über das Gezeigte, Dargestellte und Sichtbare explizit zu reden und zu schreiben. Das Meiste im Verborgenen und Unsichtbaren zu halten oder auch zu sein wird.

Täglich fange ich an.

Nehme es sogenannt in Angriff, damit es nicht andere für mich und anstelle von mir tun. Möglicherweise können sie es einfacher, leichter und effizienter erledigen und wesentlich besser schreiben und darstellen als ich, egal, denn für mich ergibt es Sinn. So wie andere und Maschinen heute dazu in der Lage sind. Besser zu zeichnen, malen, schreiben, zu designen und zu kommunizieren und auch zu performen. Hierum geht es mir in erster Linie nicht. Ich schreibe trotzdem, gestalte und forsche weiter – im Widerstand. Und der massengeleiteten ästhetischen Kommunikation und den Designvorlagen zu widerstehen. Ich versuche es anders anzupacken. Versuche häufiger den Punkt zu setzen. Die Pause-n auch zu machen und zu nutzen. Anschlusskommunikation wird zu den Bestandteilen der Bild- und Medienkompetenz, soweit das Fazit.

Das Instrumentarium, um über Bilder im Fotografischen zu reden und zu erzählen. Nutze ich ausreichend die Möglichkeit den Bildakt in unterschiedlichen Bild-Kontexten zu betrachten? Je nach Blickwinkel, Bildposition und Bildreproduktion gelangen verschiedene Ensemble und Assemblage sowie Bricolage auch als mögliche «Interferenzphänomene» oder Auren oder was weiss ich ins Blickfeld.

Wobei es nach, wie vor ungewiss sein wird, was wirklich passiert, sobald ich hier forschend zu schreiben und zu performen anfange. Keineswegs meine ich die Form des «Einschreibens», die bekannt ist. Die ich nutze, um etwas zu dem bestimmten Zweck oder mit bestimmten Fragestellungen (per Post) und Einschreiben zu adressieren. In der Erwartung auf Antwort und Beantwortung der Fragen und Fragestellungen:

einschreiben – sammlungen momente auswählen – freigeben

In der Art und Weise, wie ich es bislang erfahre, dass es vor-formatiert, bewertet und definiert, beurteilt, mit-gemacht und unterlassen wird: entweder als (visuelle) Kunst oder Nicht-Kunst. Der Anfang war zum Beispiel: Automatismen der «Kulturtechnik», der «Wissenschaft» und des «Kunstbetriebs», und auch des «Kunstsystems» oder «Kunstbetriebs» kennenzulernen. Hier ergeben sich sichtbare Fortschritte und auch Erkenntnisse.

Wegzulaufen, hin- und her zu laufen. Wandern, reisen, sich bewegen, fliegen, kreisen, tanzen etc. umherzuschweifen, aufzusuchen, zu gestalten und nachzudenken. Zu Überlegen. Zu lesen und zu erzählen und auszuprobieren. Kunst in Zeiten des globalen „Bürgerkriegs“, „Coronakrise“, „Weltkunst“ und „Intermedia Art“ in verschiedenen Lagern, Settings und Alltagskulturen zu schaffen?

Welche Rolle spielt visuelle Kunst in der globalen Kette der Projektionen als Produktion, Re-produktion, Re-Produsing? Die «Begriffe» und Auffassungen interessieren mich, die heute diskutiert werden.

Wird der Hyper- und Metatext (m-einer geschriebenen, künstlichen und natürlichen) Sprachzeichen, Symbole, Tönungen und Stimmlagen es herstellen? Damit der Bild- und Schreibakt die aktuelle Performance zur Gegenwartskunst (Hypergegenwart) visueller Kunst und Kunstforschung wird? Versucht diese angewandte künstlerische Forschung, die möglichst hohe ökologische Validität mit dem «Forschungsdesign» und «Responsive Webdesign» in der Gruppe und im Verlinken zu anderen Plattformen dies schon zu gewährleisten? Wird es sich hier von «journalistischen Textsorten» zu künstlerischen und wissenschaftlichen oder poetischen und literarischen Textsorten differenziert werden?

Sogleich wird es kaum an dem Anderen, Fremden und Unbekannten und dem Liebhaberpublikum abgleiten, da bin und bleibe ich sicher!

Trotzdem versuch ich künstlerisch weiter zu forschen: „Sieh es doch so“ – den Wechsel- und Drehpunkt, manche nennen diesen auch Angel- oder Sehpunkte, der Merkmale und Eigenschaften sichtbar oder noch sichtbarer herzustellen als Erkenntnis. Zu Aspekten, der lieb gewordenen und vertrauten Perspektive, unter Kunst, Ästhetik und Wissenschaft (Open Science) etc. mit zu machen. Ich liebe die Geschichte und Geschichten, aber die Geschichte (oder auch Historie) liebt mich nicht. Wie Hito Steyerl schreibt: Egal, wann ich sie anrufe, immer geht ihr Anrufbeantworter dran. Sie sagt: «Logo hier einfügen» (vgl. Hito Steyerl Duty Free Art Kunst in Zeiten des globalen Bürgerkriegs aus dem Englischen von Sabine Schulz 2017, S. 7).

Bild- und Kunstgeschichte sowie «Bildtheorie» und genauer Bildtheorien: wissenschaftliche, künstlerische, kulturelle, historische und philosophische Erkenntnisse (immer wieder) zu lesen und in Frage zu stellen. Aus diesem Grund: experimentiere ich damit. Mit verschiedenen Zugängen, Anschlüssen und Verbindungen zu Laborsituationen, Umgebungen und Feldern oder grünen Wiesen und Wäldern in situ, in place und am Ort: Experimentalsysteme und experimentelle Systeme.

Informationen aus dem Büchergestell, «World Wide Web» sowie dem (surrealen) Studio und Büro motivieren mich, um es direkt hier hinein zu schreiben, einzufügen und erneut zu verlinken. Der Speicherort, den ich jeder Zeit aufrufen, lesen und verändern, freischalten sowie wieder löschen kann?

Gedanken oder Assoziationen und «Denkfiguren» zum Bildakt als «Lemma» werden zentral.

Sobald diese ästhetisch kommunizieren. (Kunst-Therapien, die visuelle Kunst von anderen Bereichen des Lebens und der menschlichen Praxis abzugrenzen und zu integrieren versuchen). Zentral für den Begriff Kunst und visuelle Kunst sei somit die Differenz zu anderem, die (ästhetisch immer) mit kommuniziert werden. Mit geht es darum, dem Gefühl von Unverständnis (wie wahrscheinlich jede-m) zwischen Formen emotionalen Erlebens und nur der mentalen Verarbeitung der gezeigten Bilder (Rationalisierung) zu begegnen. Da sich die (ästhetische) Kommunikation und die Interaktion der Menschen mehr und mehr auch nur allein sich in visuellen Bereichen abzuspielen scheint, die beobachtet und verstanden werden.

Zurzeit stelle ich den «Bildakt», die «Pathosformel» und den «Fetisch» sowie das Schlagbild, Schlagwort und Bildfahrzeug in den Vordergrund.

Die ästhetische Kommunikation mit künstlerischer Performance und Erzählung werden zur formverändernden Akteurin. Und somit schon in den Fokus offener Wissenschaft und Kunst gestellt. Die künstlerische Praxis wird dabei nicht stillgestellt oder nur ausgestellt. Mit dem (auch autobiografischen) Schreiben hier, mag es sich momentan und dauerhaft ver-ändern. Heute wird (immer noch) erwartet, dass die Künstler*in in (sozialen) Räumen und Umgebungen für’s Publikum „ein“ Bild oder Bilderserie als Ausstellung zeigt. Die sie möglichst selbst her- und ausstellt hat (siehe hierzu Beitrag #wikiD 20190219 #OpenScience ab ca. 1:04:03). Wobei ich davon ausgehe, dass das erfahrene Publikum sehr sensibel auf «gefühlte» Bevormundung und Überzeugungskraft sowie Rede reagieren mag.

ab ca. 1:04:03 in diesem video-live-stream auf youtube veröffentlicht seit dem 20190219

Wahrscheinlich, weil ich so sozialisiert wurde. Sofort entsprechend darauf reagiere. Mich dementsprechend verhalte, mit Demut und Zurückhaltung oder herausfordernden Fragestellungen. Die jederzeit – weiterhin – automatisch und laufend durch die Umgebungen, wie zum Beispiel «SmartSetting» (Environment, Soziale Räume, Institutionen, #kunsttalk etc. und Menschen sowie Maschinen) sozialisiert werden. Ich konfrontiere mich damit, wie jede-r andere vermutlich auch. Da die Grenzen der Institutionen und Organisationen unscharf geworden sind, sowie sich ständig neu bilden. Informationen, die in jeder Form auch sicht- und unsichtbares (ästhetisch) und (unbewusst) mit kommunizieren.

Sobald ich anfange Bilder zu sammeln, zusammen zu fügen und neu her- und zusammen zustellen. Auszuwählen, zu fokussieren und zu entscheiden. Diese länger und intensiver betrachte, von tiefer möchte ich kaum sprechen, denn sie stellen für mich die Oberfläche dar. Da es ästhetisch in der einen und anderen Form-en sowohl speziell als auch allgemein-gültig ästhetisch kommuniziert oder kommunizieren kann. Ich überlege und denke längere Zeit nach:

Zeitgleich und weiterhin wird das Bild der Schrift hier vor-formatiert, mathematisch berechnet und gedanklich vor mir hergestellt, damit es jederzeit und allerorts (wieder) angesehen, beobachtet und bearbeitet wird. Die Versuche der «Definition» in diesem «Format» und «Feature» entsprechen dem, wie ich es augenblicklich und in diesem Moment sehe, wahrnehme und erkenne. Sobald ich es hier einfüge, dann setzen sich Maschinen und Programme sowie anderes in Bewegung oder Gang. Stellen Verbindungen, Verknotungen und andere Beziehungen oder Verlinkungen sowie verstricken, verhäkeln, verköppeln, verweben, verwerten oder verflüssigen her. Auch, um mit Angeboten, Informationen, Dienstleistungen, Hilfestellungen oder Beratungen, um es mir und Anderen mit Angeboten «Recht» zu machen. Die jetzt (noch) unbekannt sind und wahrscheinlich bleiben werden, wenn es nur «Lurker», Hilfsprogramme oder Bots etc. als Maschinen bleiben werden. Sie entscheiden, beurteilen, kontrollieren, beobachten und zensieren sowie überwachen (immer) mit. Die Maschinen (Bots), Menschen, Kunstschaffenden und Künstler*in-nen, die subjektiv und aus ihrer Sicht Aufmerksamkeit, Beobachtung und Feedback schenken, kritisieren, reden und Kontakt aufnehmen, mitwirken und schreiben, sind mir immer herzlich willkommen. Tönt blöd: ich weiss! Wird «Aufmerksamkeit» für Bild und Text in diesem Design WordPress heute überhaupt noch befürwortet, um künstlerisch zu forschen oder weiter forschen zu können? Die Textblöcke und Threats sind zu lang – schon klar!

Ästhetik und Kunstforschung in aktueller visueller Hyper-Gegenwartskunst der Künstler*in-nen ist, bleibt und wird vielfältig. Sogar kompliziert bis komplex, auch sobald es befürwortet und beobachtet wird. Und nicht nicht kommuniziert wird. Ästhetisch kommuniziert es immer, soweit die Annahme und der Grundsatz.

Wem nützen ästhetische Bildangebote zur Identifikation im Fotografischen? «Bild» und «Textur» geben Zwischenraum – Space sowie Raum – für Eigenwilliges, für Verweigerung, den Widerspruch und die Experimente der Künstler*in-nen allein, selbst und in der Gruppe. Künstlerische Experimente, Resultate und Ergebnisse sowie Entwürfe, Nachweise und Geschichten kommunizieren ästhetisch formal und inhaltlich, auch wenn sie sich hier zusätzlich (nicht) herstellen. Die Schriftform, die gewählte Sprache und Ausdrücke sowie das Design, Mode und Trend oder Dresscode beeinflussen die Darstellung der Ereignisse post factum.

Zu urheberrechtlich geschützten Werken gehören die künstlerischen Arbeiten und Entwürfe (ca. 70 – 110 Jahre), die nach wie vor gelten und den juristisch-geregelten Einfluss darstellen:

Erforderlich ist immer, dass das Werk in körperlich wahrnehmbarer Form vorhanden ist – blosse – Ideen, die nicht realisiert worden sind, geniessen keinen Schutz. Es geht darum, dass das Bild und Werk das Ergebnis der persönlichen geistigen »Schöpfung« ist. Das Gesetz spricht davon, dass der Urheber das ausschliessliche Recht hat, sein Werk in körperlicher Form zu verwerten. Dieses Recht (Urheberrecht, im Englischen: Copyright, auch Right to copy) umfasst das Vervielfältigungsrecht = Reproduktionsrecht. Bei Werken der bildenden Kunst besonders wichtig, das erlaubt, Vervielfältigungen des Werkes herzustellen.

Gleichviel ob vorübergehend oder dauerhaft, in welchem Verfahren oder in welcher Zahl oder Anzahl. Auch das bei Werken der bildenden Künste wichtige Ausstellungsrecht gehört zu den dem Urheber zustehenden Verwertungsrechten. Es ist das Recht, das Original oder Vervielfältigungsstücke eines Werkes der bildenden Künste zur Schau zu stellen. Das Ausstellungsrecht ist das einzige der Verwertungsrechte, das mit dem Verkauf des Originals eines Werkes der bildenden Künste auf den Käufer übergeht (sofern der Urheber sich beim Verkauf das Ausstellungsrecht nicht ausdrücklich vorbehält, was in der Praxis so gut wie nie vorkommt). Alle anderen Verwertungsrechte bleiben auch bei einem Verkauf oder Verschenken eines Kunstwerks beim Urheber. Der Urheber hat ferner das ausschliessliche Recht der öffentlichen Zugänglichmachung; dies ist das Recht, sein Werk in unkörperlicher Form öffentlich wiederzugeben (Recht der öffentlichen Wiedergabe).

Das scheint wichtig.

Hierin liegt wohl die nie endende Lust am wesentlichen, dem Wesen «visueller Kunst»: Indem Ideale von ihr entworfen – gedacht – gestaltet und sichtbar werden; erfindet sie sich selbst?! In Vergleichen und Entwickeln, in Selbst- und visueller Kunsterfahrung oder in künstlerischer Performance der anwesenden Künstler*in-nen beim Kunstschaffen im Setting, Environment oder bei der Performance. Hieraus ergibt sich für mich zum Beispiel auch die Geschichte und der Kontext der visuellen Kunst als moderne Beschränkungsform.

In den heute möglichen Darstellungsformen, die künstlerisch und wissenschaftlich interessieren, wenn sie zur weiteren Kunstforschung verwandt werden. Kunstwerke, Bildakte sowie Performance der Künstler*in sind oft rätselhaft und geheimnisvoll. sowie unverständlich. Selten sofort zu verstehen. Auch wenn sie die Selbst- und Kunsterfahrung der Künstler*in_nen visuell, schriftlich offensichtlich fotografisch als Bildakt dokumentieren. Mit der Kunstsprache der Künstler*in und Gruppe mit visueller Alphabetisierung zu Visual oder Oral Literacy werden.

Bewegende oder statische Bildakte im Fotografischen, die ästhetisch sofort kommunizieren, warenförmig, vielfältig und im Prinzip tot, wesens- und leblos sind. Auf dieser Homepage werden sie gesammelt und in social media frei- und preisgegeben. Heute beobachtet: mit gefällt mir / gefällt nicht beurteilt. Schnell weggewischt, wiederholt aufgerufen, bearbeitet, gespeichert, verändert oder gelöscht. Mit Freigabe und Veröffentlichung bewegen sich Bildakte im Fotografischen und die Schreibakte als Block (oder auch Buch) angeblich nach eigenen Gesetzen und Prinzipien, die bislang mit «Informationstheorie», «Theoriekritik» und «TextezurKunst» sowie Veranstaltungen, Workshops, Kursen, LecturePerformance, #kunsttalk etc. weiter bekannt werden.

Verständnis der Ästhetik als (mögliche) Entgrenzung, die immer mit kommuniziert? In dieser Perspektive eröffnen sich Fragen zur «Gestalt», «Plastik», «Figur» etc.. Deren «Interferenz» und «Intersektionalität» wird in diesem «Environment» oder #SmartSetting interessant. Im fotografischen Bildakt und Text sowie der Videoaufzeichnung sind Erinnerungen, Erfahrungen sowie Erlebtes enthalten. Fragmente, Information und Daten, die aufbewahrt und speichert werden. Mich interessiert der Zugang und Ansatz zu dem in ihnen entgrenzten und (sich) entgrenzenden Formalismus, der sich ästhetisch mit visuellem KunstSchaffen und Schreiben frei setzt. Neu formiert, gestaltet und gleichzeitig ästhetisch kommuniziert wird.

  • Wozu Kunst, was kann Kunst und wie denkt Kunst sind für mich Fragen.
  • Im Zuge des «Posthumanismus», «Posthistorie», «Postoperaismus» etc. stellen sich für mich immer wieder Fragen zur visuellen (Hyper-)Gegenwartskunst.
  • «Kreativität» und «Kompetenzen» der Künstler*in-nen, Forscher*in-nen und Autor*in-nen werden sich anders visuell herstellen, die nach wie vor ästhetisch kommunizieren.

Visuelle (Hyper-)Gegenwartskunst evoziert ästhetische Verfahren mit dem Ansatz, die an «Devianz» mit (un-)sicherem Ausgang zu reichen drohen. Mit diesem massstabsgetreuen Angriff sind die Technofrauen als Mythos der Maschine des 20. und 21. Jahrhunderts (Alex und Siri), das Cybermädchen und die Katze oder alte Frau (Silversurfer) als Symptom von Instabilität und das Guerilla Girl als Künstler*in heute gemeint. Das Guerilla Girl im Interieur des #SmartSettings im Lokalen in Zürich, Bern und Aarau, Studio, Büro und Atelier in Herrliberg.

Diejenige, die schon häufiger im Kreis Kunstschaffender, Künstler*in-nen, Wissenschaftler*in-nen und Anderer sass. Ästhetisch wortlos konsumiert und nur beobachtet und zugeschaute. Nicht nicht kommunizierte und kritisierte. Anders als bislang zu intervenieren, nachzuforschen und zu untersuchen versuchte. Offen ist, bleibt und wird der Zugang des „Wechselspiels von Theorie und Empirie“. Ziel ist es, die Offenheit für das, was und welches die künstlerische und ästhetische Forschung ergibt, zu bewahren. Dass heisst für mich: die eigenen theoretischen und ästhetischen Vorstellungen nicht überzubewerten. Ich will offen und neugierig bleiben auf die Fragen, die generiert und sich ergeben werden. Und die es tagtäglich anzupacken gilt.

Die «Guerrilla Girls», ursprünglich die anonym operierende feministische «Gruppe» in «New York», deren Ziel es ist «Sexismus» und «Rassismus» in der Kunstwelt zu bekämpfen.

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«Guerilla Girls» und Vorkämpferinnen werden in der Öffentlichkeit im deutschsprachigen Raum als Bewegung aktiv. Wird es in diesem Bildakt im Fotografischen augenscheinlich so hergestellt und ästhetisch kommuniziert, wie es zu den «Guerrilla Girls» in der Wikipedia beschrieben wird? Wo und wann wird es die Aufschreie geben? Wo sind und bleiben Robin Hood, Batman, Bat Boy und all die anderen Figuren?

visuell KunstSchaffen, künstlerisch forschen, ästhetisch kommunizieren und bewegen

Gestern: Der modernen, postmodernen und heute post-postmodernen Autonomie visueller Kunst in klassischer und typischer Disziplinierung der freien ästhetischen künstlerischen Praxis versuche ich mich anzunähern und gleichzeitig zu widersetzen. Vermutlich, um mich vor der Art und Weise nur einer Identifizierung nach typischen (menschlichen, personengebundenen, psychologischen, biologischen, sozialen, soziologischen, kultur- und humanwissenschaftlichen und körperlichen) Merkmalen visueller Kunst (der KunstTherapie) im face to face Kontakt an einem Platz, in einer Position, einem Bild und einem Ort und Raum zu entziehen.

Hieraus bedingt sich für mich die Geschichte der visuellen Kunst auch als moderner Beschränkungs- und Erweiterungsform. In Bild- und Warenformen im fotografischen, die ästhetisch kommunizieren. In wie weit sie als *Selfie*, *Selbstbildnis*, *Porträt* und *Image* oder auch nur *Logo* ästhetisch kommunizieren, ist bisher unbekannt. Heute nur mit gefällt mir nicht oder gefällt mir sofort beurteilt werden. Das Bild, die Szene und die Intervention im Vordergrund und vor dem Hintergrund in der Umgebung und dem Kontext und Raum wahrzunehmen, (auch wenn ich sie kaum mehr verstehen kann) sind Herausforderungen. Verständnis der visuellen Ästhetik, als deren mögliches Medium zur Entgrenzung im Fotografischen: was und wie sowie wie lange kommuniziert? In dieser Perspektive eröffnen sich Fragen zur Performance und Gestaltung der Form, Plastik, Skulptur, Maske und des Körpers in der Szene, Situation und Projektion als Performance. Im Setting der Umgebung und dem Environment, in dem es stattfindet und stattgefunden hat und stattfinden wird.

Mich interessieren die Zugänge und Ansätze zu entgrenzten und (sich) entgrenzenden Formalismen, die künstlerisch ästhetisch kommunizieren.

Diese evoziert in visueller Gegenwartskunst ästhetische Verfahren und Kommunikationsmöglichkeiten mit den Ansätzen, die an «Devianzen» mit (un-)sicheren Ausgängen reichen und zu driften drohen. Sobald diese nur mit der Idee, dem Ideal und Gedanken bemessen, verglichen und entwickelt werden, die sich verschriftlichen und aufzeichnen.

In diesem Angriff wird das Guerrilla Girl in den Vordergrund gerückt. Der Angriff im Fotografischen, auf das Interieur des Settings in einem lokalen Raum, wo es auch ästhetisch wortlos mit anderen kommuniziert. «GuerrillaGirls», die ursprünglich die «anonym» operierende feministische «Gruppe» in New York waren, deren Ziel es ist «Sexismus und Rassismus» in der Kunstwelt zu „bekämpfen“. «Guerilla Girls» sind in der Öffentlichkeit im deutschsprachigen Raum (Köln, Berlin, Hamburg etc.) aktiv. Mit dieser Fotografie wird es für mich jedoch augenscheinlich auch: redundant. Sobald der «methodische Störsinn» in Form der Unruhe im «Smart Setting» nur partizipierend und beobachten sowie nicht nicht kommunizierend wird. Ästhetisch nur durch Anwesenheit und Präsenz kommuniziert. Jederzeit wieder abrufbar wird. Doch denen nur zugänglich wird, welche die Möglichkeit und den Zugang hierzu finden.

gegen-reformation – gegen-öffentlichkeit – re-integration mit visuell-methodischem störsinn. ausblenden der körper – face to face – ästhetische sowie soziale kommunikation am 7.09.2018

Vielen Dank gilt den visuell Kunstschaffenden und kunstbasiert forschenden Künstler*in-nen in social media, vielerorts und Vorort im Cafe Gloria Josefstrasse 59, 8005 Zürich, „Rote Fabrik“ sowie Tina Piazzi & Stefan M. Seydel (http://dfdu.org/) Asylstrasse 9 CH 8032 Zürich-Hottingen, Zürcher Hochschule der Künste und Universitäten sowie C.G.Jung Institut. Danke an Hansruedi Matter, die Familienangehörigen und vielen Freunden im Atelier, Studio, Büro, Zuhause, Museum und Kunsteinrichtungen sowie auf ZOOM im #SmartSetting. Auf der Strasse, im Auto, auf der Vespa oder mit dem Velo, öffentlichen Verkehrsmittel oder welche zu Fuss und auch ganz anders unterwegs sind. Mit und ohne Natel, mobile Medien und Datenträgern, die sie zumeist in der Hand halten. Damit vor den Augen (zu haben), um sich zu orientieren und in der Welt zurecht zu finden.

Ohne euch wären und werden massstabsgetreue Angriffe mit methodischem Störsinn aktualisierender visueller (Hyper-)Gegenwartskunst – Open Science – Forschung – Kunst sowie LecturePerformance etc. kaum möglich. Weder hier herzustellen, noch zu schreiben, die visuell-ästhetisch kommunizieren. Ohne Informationstechnik etc. und bestimmte Institutionen (auch wenn ihre Grenzen unscharf geworden sind) wären diese Herausforderungen zukunftsweisend kaum möglich und weiterhin reizvoll. Auch ihnen gilt mein Dank. Die Danksagung in alphabetischer Anordnung täuscht die Gleichheit der Hilfeleistungen vor, die nicht existiert. Die Abstufung zwischen viel und wenig, zwischen Sachhilfen und technischen Hilfen, zwischen Angehörigen, Freuden und Kollegen sowie Filterraum und Künstlern möchte ich erwähnen.

Kunst der KunstTherapie, die Anliegen des Projekts Kunst der Gruppe und Visueller Kunstforschung hätte ich vermutlich auf sich beruhen und in Zukunft liegen gelassen. Kaum unter den Bezügen des Aufbaus dieser Seiten und Blogs sowie Infrastruktur in Bild und Text in Angriff genommen. Neu ist diese Herausforderung bis 2020 es wieder, immer wieder an- und aufzufassen und diese Verbindung nicht abreissen zu lassen, sondern noch stärker als bisher zu verketten, zu verknoten und zu verlinken. Damit diese Seiten und Blogs und Videos weiterhin interaktiv – möglichst frei, spontan und zufällig – weitergetragen oder verbreitet werden. Trotz des erhöhten Risikos, dass sich Fehler, Lücken, Unverständnis und Unverfügbares und auch Fehlendes und Fehler damit einschleichen, womit bislang keiner oder kaum jemand rechnet. Zu Items, Faktoren, Parameter, Merkmalen, Kategorien, Titeln, Überschriften, Gestalten und Formen und Lemmata sowie Artikeln, die auch subjektiv und ästhetisch kommunizieren. Die sich genau auf die Aspekte beziehen und individuelle Bedeutung haben, wie zum Beispiel:

  • visuell
  • ästhetisch
  • theoretisch
  • künstlerisch
  • wissenschaftlich
  • mathematisch
  • physikalisch
  • psychisch
  • materiell
  • grafisch
  • bildlich
  • textur
  • text
  • kontext

ohne titel – sammlungen – momente auswählen – heute und sofort freigeben – ohne kommentar

am klavier, die weissen und schwarzen tasten anschlagend und es buchstäblich nach draussen und ins öffentliche zu stellen – zu setzen – zu hängen – zu zeigen – zu präsentieren

Bei «künstlerisch relevanten Performern», die sich den gängigen Mechanismen verweigern. Beispielsweise die Einmaligkeit ihrer Performances dadurch steigern, daß sie die Dokumentation durch Foto oder Video verbieten, und daher öffentlich wenig bekannt sind oder bleiben wollen. Wenn es dann trotzdem das Echo bei anerkannten Kritikern, Agenturen oder Institutionen oder Organisationen der Performance-Szene gibt, ist die Relevanz sozusagen „mehr Wert” als bei Performern, die nur auf dem Medienklavier spielen und die »Dokumentation« und »Edition» (möglicherweise anderswo) anfertigen und drucken lassen.


«print matters»

Schliesslich wird im Französischen und anderen lateinischen Sprachen die Ausstellung als «Exposition» bezeichnet. Und nicht als «Imposition» oder «Komposition». «Saskia Sassen» charakterisiert diese Aktivitäten als «Bürgerpraktiken, die über die Nation hinausgehen.»

«Stasis» wirkt als Mechanismus, der das Kosmopolitische ins Korporative und die Polis ins Proprietäre konvertiert.

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#kunsttalk001 Allgemein artistic Research Ausstellung «#DieKunst» öffentlich schreiben bild im bild Essay gegenwärtiges visuelles KunstSchaffen herstellen künstlerisch forschen künstlerische Forschung Original Praxis des Schreibens schreiben Seite der Künstler*in Transdisziplinarität transdisziplinär Versionsgeschichte visuelle Kunst

kapitel 1

Tatorte und Umgehungstrassen der gegenwärtigen visuellen Kunst und ästhetischen Kommunikation möchte ich schneller herstellen und auch darstellen können. Ausstellen, wie auf Autobahnen. Ohne Baustellen und Staus zu fahren und fast zu fliegen. Fliegen im Weltraum. Nur die Querbeschleunigung auch G-Kraft genannt und nicht die Vorstellungskraft nimmt mit der Geschwindigkeit und dem Kurvenfahren enorm zu. Gerade der Körper – im Genickbereich – wird lebensbedrohlich, durch rasante und die hoch riskante Fahrweise, auf der Rundstrecke belastet. Verbindendes Element zu den Technologien im Computermodus ist die Frauenstimme, die nie ins Weltall flog. Keine Migration – keine Akkulturationen der Fremdkörper – Eindringlinge – Hexen – Schlangen – Madonnen – Nonnen – Huren – schwarze Krähen und so weiter haben je stattgefunden. Im Chor der toten Raumfahrer haben sie nicht mitgesungen. „Stimmen aus dem Jenseits“ – hypothetische Feedback-Loops – aus der Vergangenheit «re-loaded» in die Gegenwart und wahrscheinlich wieder zurück. Sie laden ein. Mich mit unendlichem Spass auseinanderzusetzen, um die Zusammenhänge zwischen Computer-technologie, Kommunikation und Kunst sowie Kultur und Historie besser verstehen zu können. Die ich wahrscheinlich noch nicht verstanden habe und verstehen werde.

Im M2M – Auto-Pilot-Modus – funktionieren sie heute autonom – automatisch – systematisch und fast spielerisch bis kinderleicht. Dazu nur noch die möglichst originelle – individuelle – spezifische Melodie zu summen. Die leise Hintergrundmusik, der angenehme Raumduft und eventuell noch den Kaffee zu brauen. Sind es eventuell heute die zu erfüllenden Aufgaben. Um zu Selbstorganisationen und Terminplanungen der künstlichen Kommunikationssysteme beizutragen. Keiner Absicht, noch Zweck oder Ziel zu folgen. Nicht den Sieg, Erfolg, Ehrung, Preis oder die Medaille als Schmuck- und Kunstobjekt vor Augen zu haben. Falls das Projekt unterwegs nicht im Rohr krepiert. Nicht schlimm. Die Aufzeichnungen verschwunden und doch wieder da sind. Spuck und Geist huschen durch’s Internet? Gibt es die artgerechte Haltung und Pflege der M2M-Kommunikationsmaschine?

Als Frankenstein oder Missgeburt, die ersten Anzeichen der Verwesung zeigen. Sofort in der Müllverbrennungsanlage entsorgt werden. Die Putrefizierung ist der Beginn der Verwesung. Durch Verfärbungen gekennzeichnet. Geruchsveränderungen und Verflüssigungen erfolgen insbesondere durch die Autolyse. Gesetze, Regeln und Theorien zur Autolyse im Auto- und Computermodus sind mir zurzeit noch weites gehend unbekannt. Weshalb: Aus diesem Grund und deshalb ich hierzu weiterhin mit organischen, anorganischen und technologischen Stoffen künstlerisch forschen möchte.

Bekannt ist, eine Gesichtsmaske zu tragen. Farbe und Form der Kleider und Kostüme nach konzeptioneller Stilvielfalt, Mode oder Trend und dem Anlass entsprechend auszuwählen. Die Schuhe passend zu wechseln: Vom Schleicher Sneaker bis zum Stiefel oder manchmal auch eine Sandale. Selbsttätigkeiten. Doch die Autologisierungen im Kunstsystem bezeichne ich vorerst in- und exklusiv als Autopoiesis. Möglicherweise die Form der Autolyse, ich werde sehen. Selbsterschaffung und selbst schaffen. Experimental (experimentelle) Systeme mit und auch ohne Anschlussfähigkeiten aufzubauen. Selbstständigkeit in eigenwilliger Autofiktion betreiben. Ohne die lästige Investitions- und Jahresplanung sowie Terminierung. Für zum Beispiel den Dienstleistungs- und Stiftungssektor mit Kunden-, Besucher- und Leserakquise, um etwas zu verkaufen oder ausstellen zu dürfen?

Mir widerstrebt es – persönlich – nach wie vor so stark, dass ich radikal, fast gewaltbereit und kämpferisch werden könnte. Und in jedem Fall sofort erbrechen könnte. Die Stiftung zur Anstiftung zu gründen wäre möglicherweise die Alternative zur Autofiktion:

kapitel 1 kapitel 2 noch ausstehend kapitel 3 in vorbereitung

20200908

diesen Text kapitel 1 soeben gelesen – es „juckte in den Fingern diesen Text zu ändern – überschreiben – aktualisieren – verbessern – transformieren – stärker verdichten bis ins poetische zerren zu wollen“. Doch ich unterlasse es, da die gesprochene Sprache und Szene in einigen Aufzeichnungen hieran strikt gekoppelt & verlinkt sind: #Sozialarbeiterstammtisch #Geburtstagsfeiern #NEODADA #GruppeBILDBETRACHTUNGBILDVERSTEHEN kurz #BildversteherGRUPPE #LecturePerformance #kunsttalk #PaulWatzlawick #ZRH #Festival #ERDbeerhochzeit 2020

WAS ist der FALL? WAS wird der FAll? Der FAll wird Was? F- ALL

Projekte #16

handgezeichnet auf „Gorillaglas“ 20.02.2020 birgitmatter

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#kunsttalk 10

Inhalt – Content – Index:

KunstTalk 10 – n mit Andreas Peschka: — https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=96 1:36 — fliegender Wechsel in die Aufnahme: wir haben am Setting „gebastelt“. Den Begriff „gebastelt“ – „gefrickelt“ findet Birgit Matter zu wenig spezifisch, aussagekräftig und zu abwertend für das, welches wir künstlerisch tun – performen – machen – herstellen oder produzieren!

Wir treffen uns zum Warmreden und Agendabeschließen die halbe Stunde vor Beginn (18:30, dann 19:00 publik und Aufnahme bis 20:00) https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=113 1:53 — Birgit im Anflug auf: die Performance von Günter Lierschof & Birgit Matter, LecturePerformance, „Jetzt – über Geld reden – nicht?“ im Freiraum der Zürcher Kantonalbank http://tinyurl.com/uzroehc (was ist das für ein Link?) – https://www.youtube.com/watch?v=IQFhPWQinF8&t=3s Thema: Abschaffung des Bargeldes Birgit Matter?! Günter Lierschof ist seit einiger Zeit mit der Performance unterwegs und voll in die Themenbreite eingearbeitet; besondere Bedeutung für die Performance haben die Aufführungsorte. Wenn Fachleuten aus der Finanzwelt kommen, wie reagieren sie auf die Argumente? https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=486 8:06 — Kunst zu Geld, Geld zu Kunst? Brotlose Kunst? Anschließend: Was ist Lecture Performance? https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=774 12:54

Andreas zu seiner häufigenVerwendung des Wortes, „tentakeln“, das er seit Jahren im Munde und durch Texte führt. Arno Schmidt: https://de.wikipedia.org/wiki/Arno_Schmidt (das Bemühen um neue Prosaformen, inhaltlich die kulturpessimistische Weltsicht und die angriffslustige Gegnerschaft gegen das Westdeutschland der Adenauer-Ära) „tentakeln“ in Zettels Traum. – Begriff, Greifen, Haben — stattdessen Tentakeln – scheu, mimosenhaft, mit Schneckenauge(n) – das Tentative im Tentakeln – die Hand wird zum Tintenfisch, Oktopus; – Hand, Körper als Raumerfahrung und Räumlichkeit – Oktopus, jeder Arm ein Gehirn; Saugnäpfe, Tentakelbeute Sinn – was hat das Tentakeln mit Andreas‘ Arbeitsprozessen zu tun?

Frames als Saugnäpfe (Oral – Vakuum); Situationen als unruhiges, gestörtes Tasten – Tentakeln machen Realität und Wirklichkeit aus Möglichkeitsräumen – Stempelset für Attentäter (Ausstellung: Unfrieden) etc. [29. November 1996 – 19. Januar 1997 un-frieden – sabotage von wirklichkeiten, Woche der bildenden Kunst Hamburg 1996] https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=1481 24:41 — Wirklichkeit, Virtualität, second life, Jutta Dierberg. Zitate: Bazon Brock sagt: Virtualität ist keine Realität … sind Erweiterungen der eigenen Phantasie … Wirklichkeit aber sei, was sich meinem Mutwillen, meinem Belieben nicht beugt.

Arte, die Zukunft der Kunst: Ein Künstler, der mit sehr leichten Ballons und Plattformen experimentiert und davon überzeugt ist, daß die Menschheit ein Leben in der Luft vor sich habe. Der Vergleich bringt beides auf die Idee der Schwerelosigkeit. Es gibt eine Brücke zwischen beidem. Nach Bazon Brock bedeute, über diese Brücke zu gehen: der Glaube an die virtuelle Machbarkeit sei eine gefährliche Ideologie. Virtualität triggert Utopie, Macht will das kontrollieren. Ziel von Herrschaft ist, daß Realität als fest und unveränderbar wahrgenommen wird. Dagegen ist Realität immer auch in sich virtuell und nimmt offene Möglichkeits-„ausgänge“ wahr. Veränderlichkeit. Auch ein Stein ist virtuell in dem Sinne. https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=1906 Von Geld ganz zu schweigen. Funktion der Künste. https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=2063 34:23

Birgit Matter, Kunst Talk 9, Pantomimische Einlassungen, körperlich gestische Übungen, währenddessen Dreiergespräch als abgeschiedene, ausschließende Handlung, in der Wiedergabe des Videos wird die Viererkonstellation deutlich. Kein Abschluß. Das Gefühl der Freiheit in der beteiligten Absonderung (& Anwesenheit). Apnoetauchen. Mehr Non-verbales also?! GESTE_N?! Was macht Skype mit den Bildern, wie montiert das Maschinchen die Gegenseitigkeit-en, das AUFZEICHNUNGS-Setting #SmartSetting, unsern virtuellen Raum. https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=2510 Frank Staudinger tritt hinzu: Thema: Ein buchleseSelbstversuch. Stellnetz im Leseraum: springt mich etwas an: tatsächlich interpretieren die Bücher den Leser und nicht umgekehrt, so kommt, jede-r in den Büchern vor. Was hat das mit Identität zu tun? Kann man Fremdes entdecken? Nebenthema Portrait. Ähnlichkeit oder Verschiedenheit suchen (oder finden sich). Erfahrungen mit der Wahrnehmung, dem Anfertigen. https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=3044 50:44 — Wie weit ist unser Kunstbegriff? Birgit Matter: „Was macht Kunst heute gut?“ https://youtu.be/jkSUvm6IR-M?t=3229 53:49 Schlußrunde von diesmal, KunstTalk 10, die Frage, rituell, wie geht’s dem Künstler denn heute? Blazenka kommt hinzu (hat schon die ganze Zeit mitgehört, jetzt aktiv).

Wie geht’s dem Künstler heute?

In Zeiten des Notstandes und der Pandemie 17.03.2020 bleiben die Künstler zuhause? Schreiben und Arbeiten für sich und / oder die Öffentlichkeit?

Lesen, Hören und Sprechen sich aus für Kooperation und Zusammenarbeit sowie das Zusammensein.

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In Öl will ich das!

in ÖLFARBE (hohe schminke – künstlerqualität – oder was?) auf die grundierte – magere – LeinWand (ohne störende Rupfen-, Faser- und Gewebestrukturen) in feinster Qualität auf Keilrahmen mit sehr gutem Mader-Haarpinsel höchster Güte und mit bester Firnis versiegelt?

Auch, damit die Oberfläche nicht reisst oder krakeliert. Sehr lange bis ewig haltbar, strapazierfähig und lichtecht wird! Auch, um es anschliessend gut verpackt im Freilager zu archivieren. Später auf Auktionen zu versteigern. Im Internet anzubieten. In Galerien, Kunsthäuser und -hallen auszustellen. Oder, auf dem Tröddel- oder Flohmarkt in der Stadt an Touristen zu verkaufen? Damit es Teil der Sammlung wird.

Deshalb darf sich die Leinwand nicht verziehen, weder bei regnerischer noch bei stürmischer Witterung mit Temperaturschwankungen. /// Erst letztens – im Cafe der kleineren Stadt im Mittelland – dort waren fast alle Leinwände an den Wänden extrem verzogen und standen so ca. 10 – 20 cm ab // es wirkte in dieser Umgebung – wie die (ungewollte, unbeabsichtigte und zwecklose) künstlerische Intervention – ////////

Die beidseitigen aufgehängten Gemäldereihen –

im dem beachtlichen Ausmass von ca. 100 x 160 aufgespannter Keilrahmen ohne Kreuzsteg sowie auch ohne die passende Grundierung des Bildträgers – echt und wirklich – schrecklich Leid und Weh – haben mir diese Leinwände getan: Sie (so ca. 20 Stück an die Wände in Serie auf Augenhöhe gehängt) wirkten in gewisser Weise wie vergewaltigt, missbraucht und misshandelt sowie traumatisiert. Einerseits wurde dieser Eindruck verstärkt durch den lieb- und leidenschaftslosen, nur dekorativen und nicht komponierten Farbauftrag. Andrerseits zeigten die Bilder banale bis alltäglich und fast naiv anmutende sowie symbolisch-simplifizierte Motive. Und letztlich war es doch die zu wenig professionelle, fachmännische und handwerklich gekonnte Anwendung. Somit die laienhafte, stümperhafte und dilettantische Benutzung der Leinwand für diese Ausstellung im Kontext des Cafés, die mich so entsetzte.

Leider oder extra waren diese Bilder nicht signiert worden!

Auch kleine weisse Schildchen mit Titel und Jahreszahl oder Namen des Künstlers oder sonstigen Informationen zu Massen, Material oder Preis waren zu entdecken. Keinerlei Angaben. Ansonsten hätte ich mich direkt beim Künstler, Kurator, Galeristen oder auch Sammler oder Eigentümer dieser Ausstellung beschwert. Denn es war wirklich die Zumutung für meine AUGEN. Weshalb ich auch nur schnell einen Espresso nahm und kein Kännchen Kaffee und Kuchen bestellte. Es war grausam, negativ und wirklich schrecklich – bitte erinnert mich nie wieder daran! Und fangt schon gar nicht an, es „schön“ reden zu wollen. Jede-r weiss heute was Kunst ist. Wodurch und wie das Bild schön wird.

MATTER&LIERSCHOF UNPACKING «ein- und auspacken»