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The wisdom
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Schlagwort: gegenwärtiges KunstSchaffen
Was die Kunst noch zu sagen hat: Ästhetische Kritik als Gegenwartsanalyse.
Kunstkritik drehe sich um sich selbst, es fehle ihr an Sinn, Verstand und Formbewusstsein sowie Courage. In Interessenskonflikte und Interessengeflechte sei sie verheddert und habe kein Bewusstsein mehr für ihre AUTONOMIE. Auch der Gegenwartskunst wird dieser Mangel an Sinn, Verstand und Formbewusstsein sowie Qualität vorgeworfen.
Die Kunstproduktion, welches die Künstler hervorbringen, funktioniert nicht ohne die «Distribution» und die »Rezeption«. Gegenstands- und Gegenwartsanalysen zu dem was Kunst noch zu sagen hat:
Die Ökonomisierung betreibt eine Entleerung der Kunst.
KUNSTVERRAT
Die Moralisierung betreibt zugleich eine Überladung der Kunst.
Die FREIHEIT und AUTONOMIE der KUNST wird verraten, und damit die Kunst als Ganzes.
B. 1979
HOLY SHIT
signed and dated 2006 on the reverse
oil on plywood
48 x 36 in. 121.9 x 91.4 cm.
VERSPORTLICHUNG der KUNST? oder KUNST auf Höhe der ZEIT?
GELD wird zur eigentlichen autonomen KRAFT der KUNST oder GELD kommt, wenn man es richtig gemacht hat?
Kunst dient dazu die eigene Kultur- und Bildungsbeflissenheit zu re-präsentieren.
Wird Kunst dabei immer und automatisch zur Ware?
Künstler sprechen selten über Geld und wie sie davon berührt, beeinträchtig und beschädigt werden. Es ist schlimm vom Kunstmarkt vereinnahmt zu werden. Der Verrat beginnt dort, wo die Künstler nicht über ihre Rolle reflektieren.
»Verballhornung« der Kunst bis zur repressiven Toleranz der Künstler, da der Glaube, das die Kunst alles kann und darf.
Kunst trägt zum Ausdruck und zum Vehikel der Ungleichheit bei:
Zweifel am Konzern sind nicht die Zweifel der Kunst!
https://www.yumpu.com/de/document/read/5227184/kunst-ist-currywurst
Veränderte Nachfragestruktur und Bedürfnisse nach Kunst?
Künstler Galerist und Kunstmuseum nehmen wir kaum in den Blick?
Sammler suchen den Austausch und die Interaktion mit dem Künstler?
Alle haben ein oder die eigene Vorstellung was und wie Kunst zu sein hat.
Künstler finden den Austausch mit Künstlern
auch per ZOOM – #SmartSeeting – #Social Media
Der Sog der Nachfrage_ fremde Interessen schleichen sich ein_
Schleichender Kunstverrat der Entleerung: Künstler sind nur Spielzeug der Sammler, sie machen mit dir, was sie wollen. Ihnen geht es nicht um dich, sondern nur ums Geld. Wachsende Nachfrage:
Timm Ulrichs „Ich kann keine Kunst mehr sehen“
Birgit Matter hat gestern ihre Kunstsammlung in Google gelöst.
Post – Autonomie – Künstler machen sich gemein mit anderen – werden zu Auftragskünstlern im vormodernen Sinn und verlieren ihre Freiheit.
Der ontologische Rang der Kunst verändert sich laufend. Das Ideal einer Gegenwelt in der Moderne, ohne dass dieser Anspruch je eingelöst werden konnte. Der Hoffnung, die reale Welt lasse sich in der ästhetischen Erfahrung transzendentieren. So dementieren die Post-Modernen und Post-Autonomen an Macht orientierten Postionen der Kunst dieses alte Ideal der Autonomie der Kunst.
Was sind die Ursachen des Bewusstseinswandels?
Wird es diskutiert?
Betriebsblindheit gegenüber GELD. Woher es stammt und was es in ästhetischer Hinsicht bewirkt.
Autonomie der Kunst ist kein Vakuum oder luftleerer Raum : 23.35 Min.
relativiert wird, wenn die kunst ihre souveränität einbüßt, dann fällt es schwer von einer autonom oder eben auch nur sowie kunst zu sprechen. manche künstler meinen ihre kunst sei doch immer dieselbe egal wo sie gezeigt und von wem
sie bestellt und bezahlt wurde
ich glaube nur eine solche sicherlich idealistisch gedacht zur vorstellung der kunst ist doch sehr naiv
die bildende kunst ist mehr als die literatur
oder der film von dem rahmen abhängig in dem sie erscheint es wissen wir ja spätestens seit marcel duchamp also seit jahren
gerade weil heute alles kunst sein kann
es also nicht allein auf das objekt selbst sondern auf dessen wahrnehmung ankommt ist sie auf ihre glaubwürdigkeit angewiesen und nicht zuletzt der künstler ist es, der sie beglaubigt
vor allem dann, wenn er selbst als teil seiner kunst in erscheinung tritt. wie bei joseph beuys oder eben bei marina abramovic – gewiss muss der künstler kein guter kein gerechter menschsein auch ein steuersünder kann ein guter maler auch ein drogendealer ein guter bildhauer sein
nebenbei bemerkt auch ein künstler der frauen sexuell nötigt wofür er hoffentlich vor einem gericht angemessen bestraft wird, vermag ein verdammt beeindruckendes werk abzuliefern
die kunst geschichte ist voll von solchen fällen in denen die künstler vor dem gesetz oder moralisch fehlen und trotzdem werke abliefern die von der kunstgeschichte bis heute gefeiert und gewürdigt werden und es geht also nicht um gesetzes treue!
aber jenseits dieser gesetzestreue geht es um so etwas was sich das ethos oder epos der künstler nennen würde um das eigene braucht diese autos um das eigene der (25:40) kunst zu schützen (25:41) der raum der freiheit um es pathetisch(25:44) zu sagen kann die kunst nur sein wenn (25:47) der künstler sie tatsächlich frei hält (25:49) von den versuchungen der unfreiheit und (25:53) eine aufgabe der kritik der als (25:56) gegenwarts analyse könnte es sein. ihm dabei unterstützend zur seite zu stehen (26:02) in von diesen versuchungen der (26:04) unfreiheit frei zweiten doch denn was (26:07) passiert, wenn die unfreiheit einzieht (26:10) dann ist die kunst eben nicht länger (26:13) solistisch – wahnsinnig – gaga formalismus (26:16) nicht jene feingeister, deren nuancen (26:19) nur experten zugänglich sind (26:22) vielmehr wird sie (26:25) die sie kaum mehr zu widerstehen vermag (26:28) dazu gehören die erwähnten ökonomischen (26:31) anliegen, die eigenes in der kunst als (26:34) ressource instrumentalisieren (26:36) die monetäre und die soziale rendite zu (26:39) steigern (26:40) dazu gehören aber ebenso man könnte (26:43) sagen am anderen ende der großen kunst (26:46) wippe ethisch politische (26:49) verwertungsinteressen.
wie ich gerne im weiten kürzeren teil dieses vortrags (26:54) zeigen möchte mein lieblingsbild aufgenommen auf der biennale in venedig (27:05) im vorigen jahr.
autonomen und souveränen KUNST zu sprechen:
Seit Duchamp wissen wir, dass der „Rahmen“ wichtig ist, indem die Kunst erscheint
Quintessenzen im Fotografischen seit 2015
under construction
The Concepts of Sculpture are not standard of the Creation 
dokumentieren – archivieren – herstellen – erneuern – entsorgen – veröffentlichen, sonst wie entäussern, verschenken, verspenden oder verkaufen?
Aus welchen «Quellen» werden visuelle künstlerische (kunst-therapeutische) und forschende künstlerische Arbeiten heute geschöpft?
These: Jede «Künstler*in» schöpft heute selbst. Subjektiv und selektiv wird aus diversen «Quellen» und «Methodenrepertoires» genommen. «Bilder» werden angelegt, die Effekte sind verblüffend, weil sie ohne den elektronischen oder sonstigen Bildspeicher auskommen. «Workflow» und/oder «visuelles KunstSchaffen» und «Forschen» werden immer zusätzlich initiiert.
Anhand künstlerischer Arbeiten im zeichnerischen, malerischen, schriftlichen und fotografischen sowie den Videoaufzeichnungen wird heute – aktuell- bis zeitlich verzögert – kommuniziert. Mit Dingen und Material wird heute zeitgemäss bis unzeitgemäss visuell ästhetisch kommuniziert. Dabei wird immer kulturelles, ethisches und moralisches mit gezeigt. Retro- und prospektiv ergeben sich gehaltsästhetische Reflexionen. Oft schriftlich, mündlich, spontan oder geplant dazu. Neue künstlerische Aspekte, Erkenntnisse bis Ansätze und Formate können so entstehen, die für künstlerische Forschungsarbeiten, Performances und Ausstellungen genutzt werden. Damit neue Feature für die Praxis (oder auch Theorien und Philosophien begleitenden mit) entwickelt werden.
Storytelling wird zur «Information». Zeichnungen im fotografischen bis malerischen werden zum «Bildakt», der ästhetisch bis phantasievoll, assoziativ bis emphatisch kommuniziert.
«Essay» schreiben wird relevant.
«Re-search» wird brisant bis riskant. «Visual Literacy» wird immer schneller und dynamischer erfasst. Jede-r kann heutzutage Bilder zwischen denen früher Hunderte oder Tausende von Kilometern und Jahren lagen, einfach nebeneinander hängen. Und nur so in diesem Nebeneinander begann ich allmählich die Zusammenhänge zu erkennen. Und ich meine, nur ein Künstler, ein visueller Zeichen-Setzer, der nahe genug an der Praxis (und auch deren technisch-naturwissenschaftlichen Bedingungen) sich aufhält, kann dies so sehen. Dennoch weiss ich, wie verschlossen Künstler sind, wenn es um ihre Methoden geht – so ist es heute, und warum hätte dies jemals anders sein sollen. Die Bilder selbst werden das Material, mit denen Thesen bewiesen und belegt werden. Genauere Berechnungen so genannter »optischer Kunstgriffe« werden interessant.
Künstlerische Forschung wird hier sichtbar – (auch noch lücken- bis fehlerhaft und unverfügbar) ohne Edition – produziert – präsentiert – visualisiert – beleuchtet erscheinen.
Für «kollaboratives Lesen und Schreiben» – «künstlerische Forschungen» – kunstbasierte – Kunstforschungen etc. werden die Zusammenhänge und Kontexte experimentell-er, sobald damit angefangen wird.
Offene Wissenschaft und «Open Science» werden zumeist chronologisch in Zusammenhängen der jeweiligen Systeme und Systematiken sowie deren Versionsgeschichte-n erbracht. Einiges wird hier nach wie vor im Entwurfscharakter hängen bleiben. Da es zurzeit noch an Support, Begleitung und aktiven sowie freiwilligen Unterstützungen mangelt. «Open Access» ist bis 2020 zu 100% in der Schweiz und Europa anvisiert. Dies heisst offener Zugang zu wissenschaftlicher Literatur, Materialien und «Informationen» im Internet.
Richtungsweisend für Künstler*in-nen und KunstSchaffende sowie die Kunst-Therapeut-innen in der »Schweiz«, die vermutlich auch in oder mit inter-nationale-n Diskurse-n „verankert“, „verflochten“ sowie „verwoben“ oder „verknüpft“ sind. Inwieweit es wichtig-er und relevant-er sowie bedeutend-er wird?
Cyperspaces weltweit: #Environment, #Freiraum, #Room für Meeting per zoom.us oder skype, #SmartSetting, #Kontext, #Chatline, #YouTube usw. welche Rolle wird es heute für die künstlerische Forschung spielen? Welche Rolle werden #OpenData & #DataLiteracy etc. für künstlerische Forschungsbemühungen spielen?
Erfahrungen und Erlebnisse m visuell-ästhetisch-künstlerischen bis performativen Handeln und Sprechen werden hier als «haptische Wahrnehmung» im Folgenden bezeichnet. Die Art und Weise oder the State of the Art sowie das Resultat und abschliessende Fazit werden heute häufig sehr schnell erwartet. Subjektive Erfahrungen und Erlebnisse der (inter-subjektiv-individuell-erfahrenen) Praxis benötigten Zeit und Engagement.
Subtexte und Bilder bleiben – als Analogien – bestehen?!
Geheimwissenschaft oder Alchemie?
Falls es sich hier zum Teil bildlich – im fotografischen und textlichen (Hypertext und Permalink) – sichtbar – herzustellen, zu verlinken und zu überschneiden beginnt. «Interferenz» wirken in jedem Fall.
Sobald das Forschen im künstlerischen bis fotografischen oder historischen beginnt.
Anzufangen, selbst mit den Geräten- und Management- und Kommunikationssystemen zu arbeiten und zu experimentieren. Hier ein- und anzufügen. Dort a-synchron zu trans-formieren. Zusammen-Treffen. Ohne selbstverständlich und natürlich die Kunst und das künstlerische bis kunstbasierte Forschen in Gänze formalisieren zu wollen:
Mit «Visual Literacy» im Fotografischen werden heute der «Bildakt» und »visuelle Kunst« behandelt. Mit filmisch bewegten Videosequenzen – mit oder ohne Text und Audiospuren oder Musik hergestellt. Die Merkmale, Qualitäten, Wissen und Er-Kenntnisse von Kunst (der KunstTherapie) werden heute eher selten audiovisuell – im diskursiven Gespräch über Kunst – aufgezeichnet.
Die Gruppe (Kunst der KunstTherapie) und der #Kunsttalk nehmen sowohl an sozialer «Gruppenkohäsion» als auch Adhäsion und Dehäsion laufend mit Teilnahmen und Teilgaben zu. Die Rezeptions- und Reflexionsgrade im Ästhetischen zu den Künsten und dem KünstlerSein divergieren logischerweise mit Zunahme an Beiträgen und Artefakten.
In Zukunft werden Werkstätten, Wohnzimmer, Labore, Ateliers, Küchen, Keller, Mansarden, Garagen, Büros, Fabriken etc. im Lokalen und Urbanen als alltägliche, banale, trivale und nur noch »dilettantische« Experimentierfelder gelten? Zu Asche, zu Staub oder im weissen Rauschen des Internets online „unter- oder zugrunde“ gehen? Wo beginnen die visuellen Künste? Wo hört Volkskunst, Popkultur, Werbung und Marketing auf und beginnt die Kraft der Kunst in die Gesellschaft hinein zu wirken?
Richtig.
Angeblich kann heute jede-r (generalisierte Jedermann und Jederfrau sowie Bot, Roboter, Alexa oder Siri, Google etc.) sprachliches und auch bildliches erkennen und sogar „wissenschaftlich“ analysieren. Dies fast genau so oder ebenso so gut oder sogar besser, schneller und präziser machen, wie der Mensch? Zeichnen, Malen und Fotografieren mit entsprechenden Programmen und Anwendungen sind heute kinderleicht herzustellen, zu produzieren sowie ins Internet zu posten sowie zu verbreiten.
Doch nur experimentale Systeme KunstSchaffender & künstlerisch Forschender geben zusätzliche
Informationen – Wissen und Kenntnisse – praktisch und faktisch zur «Oral history» – «Literatur» – «Visual Literacy» – «Wissenschaft» – «künstlerischen Forschung». Zumeist zum «Bildakt» im Fotografischen, der (besonders) subjektiv und individuell besprochen wird: Sobald die ästhetische «Kunstsprache» der Künstler*in-nen kommuniziert und/oder die künstlerischen Forscher*in-nen direkt, deutlich, anwesend dazu mit kommunizieren.
Dies kann komplex und kompliziert bis anspruchsvoll vernetzt werden.
TATSACHEN und ARTEFAKTE werden in kunst-therapeutischen und | oder künstlerischen «Smart» Setting der Künstler*in als «visuelle Kunst» sichtbar und evident. Zumeist mit »Wovon man sprechen und nicht sprechen kann…«
Visuell-künstlerische und ästhetische Forschungsbemühungen werden jederzeit sichtbare Ergebnisse, Resultate sowie das Fazit und die Pointe vorschnell oder abschliessend evozieren.
Bislang wurde überwiegend erzählt und kommentiert sowie Erfahrungen ausgetauscht, selbst und zumeist handschriftlich mitgeschrieben. Notiert, entworfen und verworfen sowie liegen gelassen. Nicht mehr angefasst, vergessen und aus dem „Weg“ geräumt.
Fotografieren, einfügen, schreiben und verlinken werden oft auf später verschoben. Da es zusätzliche Arbeit bereitet, die kaum eine/r vergütet oder bezahlt. Oder freiwillig gerne erledigt. Die künstlerische Praxis des Malens und visuellen KunstSchaffens wird durch Schreiben und Forschen quasi unterbrochen, wie viele heute noch meinen.
#keinebrotloseKunst
Zum Beispiel:
Die zukünftigen Herausforderungen: «das Kunstversprechen und die Lebensgeschichte des Bildes», das Kunstversprechen von nur einem Bildakt und «Science Fiction» zu intensivieren, zu erzählen und aufzuschreiben. Falls der Bildakt – das Porträt, die Leinwand, die Landschaft, das Stillleben, die Komposition etc. – sowie der Rahmen oder die Rahmungen (»frames«) im Mittelpunkt visueller Kunstbetrachtungen sowie Rezeptionen bleiben.
Jede-r «künstlerische Forscher*in» und «visuell Kunstschaffende» dokumentiert, archiviert und speichert. Wobei heute gerade die Probleme der Speicherung immer aktueller werden. Parallel und nebenher sowie in der Art und Weise, wie aufzeichnet, aufbewahrt und gelagert wird.
Viele schaffen überwiegend für ihre künstlerischen (Forschungs-)Projekte, an denen sie beteiligt und die sie thematisch involviert sind. Heute wird zumeist «visuelle Kunst» und «künstlerische Forschung» als Ergebnis und Resultat «künstlerischer Prozesse» (oder kunsthistorischer Prozesse) als Buch oder Katalog etc. publiziert, als Ausstellung und Verkauf eröffnet. In Buchform als sogenannte Künstlerbücher werden heute Forschungsarbeiten überwiegend noch als sogenannte «Graue Literatur» oder «wissenschaftliche Literatur» gedruckt, veröffentlicht und verkauft.
Wird «wissenschaftliche Literatur» und «Science Fiction» nach Werktyp (Kunst- und Denkmaschine) für die visuelle Kunst – Künste relevant-er werden? Welches Forschungsdesign wird im Einzelfall oder Kollektiv angewandt? Welches wird sich bewähren? Zwischenzeitliche Postionen – Perspektiven und Richtungswechsel sowie Transformationen und Aneignungen der Künstler*in-nen und «künstlerischer Forschung» mit und ohne Subtexten, Konzepten und Plänen werden vermutlich zunehmen.
süss & giftig wie zuckerguss
haptisch berühren & einfügen
- Überschrift
- Absatz
- Liste
- Zitat
- Vorformatierung
- Thema
- Fragestellung
- Entwurf
- Gemeinschaftskatalog
- Ausstellungskatalog
analog – digital – 2020
wie sinnvoll wird diese Differenz, Unterscheidung oder Definition bis 2020 für «visuell künstlerisch Forschende» in «OpenSource» und «OpenScience» des Internets und social media sein und/oder bleiben?
In erster Linie wird vermutlich der Modus 1:1 // – 1:2 // – 1:3 // – 1:5 // – 1:16 anstatt der Modus 1:N mit «künstlerisch zu forschen» herzustellen versucht.Um die «Authentizität» «Echtheit» «Tatsache» etc. zu verbürgen, zu beweisen, zu verantworten, zu bezeugen – letztendlich zu garantieren.
Ist es sinn- und wirkungsvoll das Unterscheidungsmerkmal, die Distinktion: «digital» und «analog» konsequent in der ästhetischen Kommunikation und im Sprachgebrauch der visuellen Künstler*in-nen zu löschen oder auszulöschen? Welchen Sinn erzeugen heute die Differenzen – analog und digital – in der Kunst (der KunstTherapie)?
Welchen Sinn und welche Bedeutung erzeugen heute deutschsprachige Wortbildungen – wordings – Metaphernbildung etc. im inter-nationalen Kunstkontext und Kunstdiskurs?
Die «künstlerische Performanz» ist darauf angelegt «visuelle Kunst» zu schaffen. «Kollaborativ und Miteinander» im Dialog, Trialog und auch Polylog zu sprechen, zu schreiben sowie im LIVE Streaming aufzeichnend zu veröffentlichen.
«Ästhetisch zu handeln und ästhetisch zu kommunizieren» über lokale Begrenzungen, Behausungen, Rückzugsorte und Nischen, Winkel und Ecken etc. als Bedingungen des «SmartSettings» hinaus: Kunst zu schaffen. Jede-r Künstler*in und die Künstler*in-nen stellen hier «künstlerisches Forschen» und «visuelles KunstsCHaffen» her. Sowohl zeit- und ortsgebunden sowie unabhängig davon wird es a-synchron im #kunsttalk gezeigt und besprochen. Wobei immer die anderen (mit) beobachten und (auch) urteilen.
NEUER ZUGANG oder nur die zusätzliche Verbindung, wir bitten in den Warteraum per Zoom.us
Wie beeinflussen die technischen Material- und Medienwechsel im Fotografischen durch Live-Streaming der Geräte (Devise): Mobil Phone, Computer und Tablets, beispielsweise die bildliche und textliche Gestaltung der Seiten hier in WordPress?
Bilder im Fotografischen
am Bildschirm (Display) der Mobiltelefone (Device) und auf den Kommunikationsplattformen im Internet wird heute viel gepostet. Zahlreich – quantitativ sowie qualitativ – wird immer auch ästhetisch kommuniziert und kommentiert.
(Materielles bis körperliches, zeichnerisches bis malerisches, visuelles bis sprachliches sowie musikalisches bis spielerisches und wissenschaftliches bis gehalts-ästhetisches und künstlerisches oder philosophisches zum Beispiel in der Mundart, Geste, Bewegung, Tanz, Spiel, Aktion etc. in – mit – durch die Handlung kommuniziert). Kommunizieren in der Kunst-Bildsprache und Ästhetik der Künstler*in und Künstler*innen wird wesentlicher. Und um Kunst- oder Stilvermittlung wird es HIER OFFENSICHTLICH NICHT gehen.
Quintessenzen im Fotografischen seit 2016
Unterwegs sein – ins Bild – ins Fotografische – setzen, war das Motto. Der anderen Künstler*in der Gruppe – Bildnisse des eigenen KunstSchafffens und künstlerischen Forschens – visuell-ästhetischen und direkt in Anwesenheit zu präsentieren und kommunizieren. Eventuell zu adressieren: Die Entscheidung der Künstler*in zum KunstSchaffen und künstlerischen Forschen.
Gezeichnet, gemalt, gestaltet, gestrickt, gelismet, performt, inszeniert, fotografiert, gesprochen, getextet, gefragt und geantwortet und gereist wird vermutlich für das Begehren, die Sehnsucht, das Verlangen sowie die Sachen der Kunst. Die Interessen – den roten Faden und seidenen Faden – nicht zu verlieren und immer wieder zu finden oder zu suchen, um die Anschlussfähigkeiten kommunikativ zu erhalten. Am Faden, an dem einiges oder vieles – auch auf der Höhe der Zeit – zu hängen scheint. An die gesponnenen Fäden der Geschichte, des kulturellen Gewebes und der kulturellen DNA knüpft jede-r vermutlich anders an. Dies wird spannend. Wie werden heute Metaphern, Zitate, (fehlende) Titel oder Untertitel und Zusatzmaterial zum Bild heute aufgefasst? Wirkt es zu fadenscheinig, kalenderspruchartig und heuchlerisch für die Bildbetrachtung und das Bildverstehen sowie Forschungsvorhaben? Wie werden die weiteren Vorgehensweisen im Projekt Kunst der Gruppe (Kunst der KunstTherapie) gestaltet und vitalisiert? (Ohne visuelle Kunst nur formalisieren zu wollen). Kommt es der einzelnen Künstler*in mehr auf die Form oder den Inhalt / Content an? Wie findet heute die Verschränkung von Form und Inhalt in den visuellen Künste mit Anwesenheit statt?
In – mit – durch die Praxis
Praktiken des visuellen KunstSchaffens verbinden und verlinken – künstlerisches – wissenschaftliches – forschendes. Ob Handeln analysierend – präsentierend – visualisierend – realisierend – schreibend – reflektierend – sprechend etc., wir werden sehen. Die Zukunft vor Augen: den Bildakt retro- und prospektiv vor Augen haltend. Visuell zu bearbeiten: wo – wie – wann – wozu – warum – weswegen – weshalb und letztendlich für wen, interessieren nicht mehr. Die Definition der Zielgruppen als Publikum war kurzzeitig im Fokus.
Den freien, selbstständigen, engagierten und motivierten Künstler*in-nen und den künstlerischen Forschungsanliegen wenden wir uns aufmerksam zu.
Kunstmuseum Thurgau Kartause Ittingen Anfang 2016, Aargauer Kunsthaus Aarau, Basilica Bar Lounge Zürich, Schwarzcafe und Terrassen während der Manifesta 11 der Kunsthalle Zürich waren unter anderen die Stationen, die wir aufgesucht haben. Nicht ohne Grund haben wir uns in den Vorhallen der Museen getroffen.
Quintessenzen im Fotografischen seit 2017
Auf der Terrasse und im Eingangsbereich der Kunsthalle Zürich, des Kunsthauses Aarau, Luzern, Basel und Bern und im «Programm», Schwarzcafe, Cafe Gloria Zürich waren die lokalen Treffpunkte.
Wie wird das letzte Bildnis oder Selfie als Künstler*in aussehen?
Welche nahen Verwandten oder welches Mitglied der Familie hat gemalt, fotografiert und künstlerisch ästhetisch kommuniziert?
Wer war Kunst schaffend in der Familie? Gibt es Erinnerungsbilder, die bis heute die ästhetische Kommunikation beeinflussen?
Welches Kunstwerk als Bildakt war eindrucksvoll? Wird möglicherweise bis heute in Erinnerung gehalten? Welche werden vergessen?
Wer in der Familie hat gemalt? Wer in der Familie war künstlerisch tätig?
Welche Bilder anderer Künstler*innen hängen (bei mir) an der Wand? Welche Kunstwerke werden gesammelt? Welche nicht? Weshalb nicht?
Wie werden heute die Verbindungen, Kontakte und Beziehungen zu Künstler*in-nen gepflegt?
Quintessenzen im Fotografischen seit 2018
253 KUNSTFORUM Vom Sinn der Kunst
Wozu Kunst?
Was kann Kunst?
Wie denkt Kunst?
brauchen frauen in visueller kunst und kunstforschung «schutz», um (nicht) als feminin – weiblich – oder als «guerrilla girls» – identifiziert und stigmatisiert zu werden?
https://artemisia.blog/2020/01/02/guerrilla-girl-aus-vorarlberg/
https://www.arte.tv/de/videos/063643-004-A/kuenstlerinnen/
jedwede kunstform wird aus sich heraus – und nicht aus der von aussen kommenden rahmen-bestimmung, begrenzung und erwartung vom sinn der kunst – zu verstehen sein. Die wird die Herausforderung:
Musculus gluteus maximus ist der großflächige Muskel mit weitgefächertem Ursprung und kräftiger Ansatzsehne. Er entspringt vom Darmbeinkamm (Ala ossis ilii), der Rückfläche vom Kreuzbein und Steißbein (Os sacrum und Os coccygis), dem Ligamentum sacrotuberale und der Fascia thoracolumbalis
Autoscopy is defined here as a visual experience where the subject sees an image of herself in external space, viewed from within her own physical body. Autoscopy may arise from a convergence of several variables, including gender, personality factors, neurological and/or psychiatric disease, exhaustion and dissociation, whose interaction may override the normal inhibition of temporal lobe activity. A cognitive neuropsychological hypothesis is proposed, together with avenues for future research.
im fotografischen – workflows und work in progress – bilder befreien und freisetzen – den bildakt befreien und frei setzen https://www.facebook.com/bimatter/
Malerei ist – bleibt – wird der Kollektivsingular (Sammelbegriff) für die KunstderKunst-Therapie?
Für das KünstlerSein und KünstlerZusammenSein mit und ohne Werk als Projekt, Gruppe, Team und Interessengemeinschaft?
Bereits Platon lässt Sokrates ausführen, dass für die Malerei dasselbe wie für die Sprache gelte. Deren bezeichnende Sache oder Ding nicht etwa in aller Ausführlichkeit zu wiederholen sei, sondern zugreifend durch Auslassung charakterisieren solle.
Beispielsweise die Serie durch Auslassungen der Reihenfolge, das Dreieck durch die Ecke und den Kreis durch Viertelkreise, den Faden durch die Linie dazustellen. Es gäbe, so Sokrates, weder Worte noch Kunstwerke, wenn diese die Dinge nachahmend lediglich verdoppeln (abbilden oder fotografieren) würden.
Worte wie Gemälde besitzen durch ihre Fähigkeit zur verknappender Darstellung vielmehr die klassifikatorische (nicht klassifizierende) Kraft der bezeichnenden Wiedergabe. Die Platon schon im «Timaios» etwa Modellen der Astronomie zuerkannt hat. Der Anfang des Timaios in der ältesten erhaltenen mittelalterlichen Handschrift:
Und über Zusammensetzungen bis Kompostionen und Wirkungsweisen des Kosmos „ohne genaueres Betrachten der Modelle sprechen zu wollen“ so führt er aus, „wäre vergebliche Mühe“ (schreibt der Kunsthistoriker Horst Bredekamp 2010, S. 39 zum Bildakt).
ästhetische wirkungen künstlerischer und gestalterischer bildakte werden heute zu «bilderwolken». «bilderfahrzeugen». im fotografischen bis videofilmerischen : dynamisierte, bewegte und schnell wechselnde bis automatisch animierte features. merkmale vor hinter- und untergründen, die auf höhe der zeit wahrgenommen werden können. bilder, modelle, muster, ordnungssysteme usw., die als sogenannte «blick- und effektfelder oder zonen» vom sogenannten publikum aufmerksam gesehen, beobachtet, wahrgenommen sowie auch erkannt und anerkannt werden. da sie immer auch ästhetisch kommunizieren. investigationen, interventionen und gegenwärtige kunstaktionen, die der gesellschaft (preis-)gegeben sowie verantwortet werden
künstlerische forschung und performance wird aus der nische, ecke und winkel heraus produziert. im büro, in der fabrik, halle, kirche, kathedrale, küche, keller und in anderen architektonischen räumen und landschaftsgärten vorbereitet. im kollektiven wohnzimmer und automobil, auf der trace, strasse und strecke durch die landschaften der kulturen zubereitet. bevor es den tunnel, die durch- und zugänge zur stadt und die urbanen regionen der gross- weltstädte passiert. öffentlich und global gesendet und empfangen wird. geblitzt, kontrolliert und monetarisiert ist. so zu sagen auf dem radar erscheint. im bild – text und werk – mit und ohne signature – des kunstschaffenden dargestellt wird.
im öffentlichen – frei- und zwischenraum – der «LecturePerformance» werden bilder, bildakte und künstlerische produktionen direkt vorgestellt. es impliziert räumliche und essayistische dimensionen, fakten, tatsachen und auch vorstellungsmomente, die noch unbekannt sind. in der verpackung der kunstschaffenden wird es hergestellt. da das internet zwar kaum überall, doch von überall global erreichbar wird. heute, da sich »Lecture Performance» zu »LecturePerfomance» zu terminierter «LecturePerformance» exponentiell zu vermehren und zu verbreiten scheint.
gegenwärtige kunstaktionen und -reflexionen sowie #kunsttalks zusätzlich relativieren und kritisieren.
entwickeln und hervorbringen: merkmale, aspekte, formen bis zum format. es präsentiert anschlüsse, zugänge, verbindungen, wege, passagen und zonen zu kunsthistorien und ästhetischen modellen und theorien. in aktueller (hyper-)gegenwartskunst: kunstforschung. in künstlerischer und kunstbasierter forschung wird dies möglichst offen und kollektiv versucht. intervention-en greifen, im gegensatz zur beratung, im engen sinne direkt und spontan in das aktuelle geschehen ein: in die interaktionen zwischen menschen zu maschinen zu menschen kommunikation. Vermutlich, um die unerwünschten ästhetischen phänomene gar nicht (erst) entstehen zu lassen.
hauptverkehrsknotenpunkte versucht jede-r künstler*in der kunstderkunst-therapie nach möglichkeit bewusst zu vermeiden, zu umgehen oder zu umfahren. ja, gerade und nahezu diesen auszuweichen, um den weg, parcour und roten faden der geschichte – erzählung (matrix -indexkalität) im bild und text selbst zu ermitteln und darzustellen.
Um Missverständnisse vorweg aufzuklären, falls es überhaupt möglich ist: im Alltag wird unter Hedonist jemand oder jedwede-r verstanden, der nicht gerne arbeitet und andere für sich schaffen lässt. Sich gemütlich zurücklehnt – aber nicht jemand – der das gelungene Leben sucht. Das gelungene Leben ist das philosophische Verständnis des Hedonismus, welches schon die alten Griechen erkannt haben. Im ungefähr vierten vorchristlichen Jahrhundert haben einige Denker darauf hingewiesen, dass unsere Lebenszeit begrenzt ist und nichts darauf hinweist, dass es so etwas wie ein Weiterleben nach dem Tod und eine unsterbliche Seele gibt.
Damit standen Philosophien im Widerspruch zu Platon, nach dessen Vorstellung die Seele nach dem Tod in ein Schattenreich eintaucht, um dann in irgendeinem höheren Bereich die Unsterblichkeit zu erfahren. Im Gegensatz zu Platons Idealismus sind die Hedonisten empirisch orientiert, sie betonen die Bedeutung des Diesseits. Danach sind wir Menschen ein Stück Natur, wir leben eine Zeit lang und wir haben die Bestimmung, dieses Lebensintervall zu gestalten und irgendwie zu „meistern“. Nur in dem oberflächlichen Alltagsverständnis, bei dem Hedonismus mit „Wein, Weib und Gesang“ identifiziert wird, bedeutet Lebensfreude Verschwendungssucht.
Für die ethischen und ästhetischen Idealisten Kant, Hegel und Fichte u.a. ist die Idee des erfreulichen, glücklichen und optimalen Lebens nur ein wertloses Beiwerk. Die Idee allein ist auch nicht geschützt. Danach ist es bedeutungslos, ob Menschen sich gut fühlen und ob ihr Leben gelungen ist, Hauptsache sie tun ihre Pflicht. Der Mensch – aus kantischer Sicht – ist ein Pflichtautomat und kein «Arbeitstier» oder Gewohnheitstier. Und was moralisch ist und was nicht, wird durch die Ethik bestimmt. Ein Beispiel ist der kategorische Imperativ Immanuel Kants: Handle so, dass die Grundsätze deines Handelns ein allgemeines Gesetz sein könnten. Jede Ethik macht also Vorgaben, jenseits derer es keine tieferen Begründungen gibt.
Und selbst die Wissenschaft benötigt solche Axiome, auch die Quantenphysik oder Naturwissenschaften halten keine *Letztbegründung* bereit. Ebensowenig gibt es k-einen Ursprung der Ethik und Ästhetik, aus dem Werte und Urteilskraft entstehen, die kommuniziert werden. Einige haben mir häufiger vorgeworfen und mich darauf hingewiesen, dass ich idealistisch agiere und argumentiere im visuellen Kunstschaffen und künstlerischen Forschen. Diese alten und längst überholten Verbindungen, „alten Zöpfe“ und männlichen „Vorbilder“ an Philosophen und Künstlern, deren Konzepte und Theorien seien abzuschneiden oder hätte ich abzuschneiden. Abzutrennen, sich davon zu distanzieren, anstatt sich mit ihnen in Kontexten zu verbinden und diese zusammenzufügen.
